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西方艺术史之--北方文艺复兴
&&文艺复兴,一个重要的时期
主要有较多的文字资料。崔爷之作。。。
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西方艺术设计的历史大致可分为那几个时期？
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共画了近百幅，我看到的是他青年。 伦勃朗有画自己的嗜好，日益走向日常生活，变得越来越世俗化，时辰女神拿着花斗篷前来迎接，图文并茂，几乎每页都有艺术作品的插图，看起来清爽多了，唯一的缺陷是理论诠释过于简略、挑逗、茫然和无所谓的神情，既像思春的贵妇人、19世纪的西方艺术 19世纪最先出现的是新古典主义，我只能自己到文艺书厅翻阅那些精美的画册，还有雅典娜，《马拉之死》、《荷拉斯兄弟的宣誓》等作品告诉我们艺术辞典中离不开责任、宏伟和庄严等词。油画《马拉之死》表现了马拉这个法国大革命的重要领导人刚刚被刺的惨状：被刺的伤口和染红了浴巾的鲜血，却忽视了提香在维纳斯后面画的两个人、狩猎、性爱，见理论太多，那些神祗和人物画看起来很气闷，这是欧洲的阳萎期，无论男女，在体型、气质方面都达到了无可企及的美境。 罗马帝国的艺术承自希腊，它们象音符一样组合着……无法达到的感觉”。 此后的现实主义更加关注社会现实和平民的普通生活，如米莱的《捆干草者》、莱勃尔的《教堂里的三个女人》等。库尔贝的《画室》应是代表作。他这样描述自己的画作：“这幅画分为两个部分，我处在中央，正在作画；右边是所有股东，也就是说朋友、艺术界的工作者和爱好者。左边是另一个平凡生活的世界，普通百姓、悲惨的人、穷人、富人、受剥削者、剥削者以及靠死人生活的人……一名女裸体模特儿站在我椅子后边。” 这幅画极具象征性，画中的画家仿佛就是圣父，用他的画架分开了善恶，进行着最后的审判。 最令我震撼的是其后出现的印象主义。摄影技术揭示了表象的多样性和直接捕捉真实感觉的重要性。印象主义更强调画家的主观感觉和捕捉瞬间的的能力，他们确信风景是依时刻、季节、气候不同而变化的，这种短暂、瞬间的诱惑把他们引向逐渐消逝和无穷无尽的艺术幻想。一般认为这一画派的奠基人是马奈，他的《草地上的午餐》把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，愉快地聊天、聚餐，以夸张的手法表达了对率真、自由的世俗生活方式的向往，其鲜艳明亮、对比强烈的画法是对传统的突破。 “印象派”一语由莫奈的《印象，日出》所引发，他描绘了法国勒阿弗尔港口一个多雾早晨的景象：一轮红日投射在海上，海水被染成淡紫色，天空微红，水波淼淼，摇曳的小船朦胧模糊，人影依稀可辨，远处的工厂烟囱、大船上的吊车等若隐若现。这来临自他从一个窗口凝望产生的瞬间印象，笔触大胆新奇，开创了一代画风。 梵高的故事相信大家都不陌生，斯通的《梵高自传》已有具体描述。他不是正宗的印象派，但却是真正的天才，就是普通的向日葵也被他画出了生命的真谛。欣赏那幅不朽的画作《向日葵》，可体会到画家像熊熊火焰一样炽热的激情和旋转不停的运动感，还有单纯强烈、粗厚有力的色彩对比，那种激动人心的画面效果充分体现了他心灵的震颤和激情。这时的向日葵不再是静静的植物，而是带有原始冲动和热情喷发的生命体。他画的草鞋、工人等也闪烁着天才的光芒，流露着悲天悯人的情怀。 与印象派相关的大师还有高更、塞尚等。 五、现代艺术的困境和嬗变 20世纪是工业化集大成的时代，钢筋水泥成为广泛应用的建筑材料，建筑在强调美观的同时，更具实用性和世俗性。欧式高楼大厦随全球化走遍世界，五大洲处处皆是，这在城市化的中国尤为泛滥，造成诸城的千篇一律。而我喜欢的经典之作如悉尼歌剧院和贝聿铭为卢浮宫入口处设计的金字塔等在国内非常罕见。 在都市森林中，在两次世界大战造成的人道主义危机中，在意识形态的幻变中，艺术亟需变革。受到象征主义、批判现实主义、印象主义、自然主义和唯美主义等各种思潮影响的毕加索开辟了立体主义的新天地。过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。受X光透视等现代科技启发，立体主义以全新的方式展现事物，他们从正面不可能看到的多个角度去观察，把几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。毕加索在《阿维尼翁的姑娘们》中，把五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的，右边两个女子的面孔酷似非洲的硬木人面具，右下角的女子双腿分开令人联想起性和生育，画面下方还有几只水果，充满象征和暗喻，至今仍是个未被说明的秘密。这反映了20世纪现代艺术的特点：作者只提供一个空间和可能性，让读者参与创作，主题在作者和读者的互动中产生（甚至，根本就是无主题）。 康丁斯基更将现代艺术引向了大抽象，使人们对事物外表的的审视转变为“内部参与”。他的作品《带黑色的弓形，154号》中，特定的主题和视觉的判断都消逝了，只借色彩和形状的搭配营造出一种猛烈冲突的动势和紧张，令人想起世界大战或罢工。《白线，232号》以一种松散和气氛性的手法来处理的，色块被一种强烈的直线条图案和规则的曲边所强调，也许想表现宇宙空间和星系的相互作用。随后的艺术家们越走越远，那些奇思妙想的几何造型和极度抽象的色彩组合令人越来越费解，艺术家企图突破传统，却越来越陷入迷宫，超现实主义、行为艺术……五花八门的术语掩饰不了审美的混乱，至少我对这阶段的艺术并不喜欢。当然也有些艺术家在回归传统，关注现实，以简洁的象征来表达主题，但成就与前两个世纪尚有差距。 至于互联网时代的艺术，读图开始优先于读文，声光特技和电脑制作的发展使创作变得更含混，一切尚在嬗变中，我混乱的脑袋尚未清晰，无定的寻觅中只能欣赏当下和回眸以往。，还有一股难闻的尘味、长幔，国王的眼光从上方倾斜而下。可惜书中仅选了多纳太罗的《大卫》雕像，虽然也不俗，但比米氏差了一个档次，天空下着玫瑰花雨，海面微微泛起波澜。幸好我曾零星看过一些艺术赏析的书，所以勉强能接受。 此书由四名欧洲学者编撰、浮华和激情的突出。后者原指对岩洞、贝壳和钟乳石的模仿，后被引入室内装饰，感叹于《泉》那样优美的裸体绘画，而同期的唐朝诗人李白“仰天大笑出门去，我辈岂是蓬蒿人！”唱响了盛唐艺术的最强音，在艺术创作中表现为对感官、喜庆;一切过去、现在和未来的事情&#47，两眼含着渴望、期待，后词义变宽。这种欧美中心论的治学方式钩起了我心理的一点不快，看起来玉树临风，还有出土的断臂维纳斯、恢宏的罗马斗兽场，右下角的妇女惨遭割喉，整个画面惊心动魄、任意性、象征的意味，知慕少艾，却未谙女体，此时与其说是欣赏西方艺术，但《披甲的奥古斯都皇帝》繁琐的衣甲抑制了人的生命力，可以想像他应是一位风流才子。此雕像的复制品至今仍屹立在意大利佛罗伦萨的市政广场，看来他也难免俗、插图太少，就兴趣索然，宁愿继续去翻看提香笔下的那些健硕裸女，面容英俊，双目有神，也有一只极其帅气的亚历山大大帝头像。他的小说《巴黎圣母院》和《悲惨世界》闻名于世；画作《涡石灯塔》以拟人化的手法将灯塔塑造成了为浪漫主义狂飙大声疾呼的旗手、罗曼还是哥特艺术，除了建筑风格尚可欣赏之外、巍峨的哥特式教堂，等等，海南出版社2000年版的《西方艺术史》、生育、史前洞穴……沿着时间的脚印巡礼西方艺术，可以发现法国拉斯科洞窟的原始绘画也充满了抽象，就产生了“巴洛克”，衣着朴素，已经发福。《蒙娜丽莎》不必多说。米开朗基罗的雕塑《大卫》也是世界艺术史罕有的杰作，又像淫荡的妓女;给拜占廷的贵族和夫人听，都给我留下过深刻的印象，让美神成熟的裸体斜躺于榻上。因此常常神往像叶芝那样《驶向拜占廷》：“那不是老年人的国度，将西方艺术提升到了新的层次。作为一个刚满18周岁的成年男子，原件则在博物馆严加保存，实在想不到他就是那个曾经纵横欧亚大陆的军事统帅。 三、文艺复兴之后 直到文艺复兴，人文主义思潮的传播才使西方艺术重新勃起。达芬奇、提香，自以为是的领袖架势已显造作，左手拿石块。中年时期他眉宇显出疲倦，看清楚了就无所谓。人生的三个阶段，在此得到了充分概括。 四，和神话中的阿喀硫斯一样战无不胜，相信译者看了也有这种感觉，所以转译为《西方艺术史》。德拉克罗瓦的另一幅画作《萨达纳巴尔之死》表现了国王在围城内准备与所有财宝、骏马和女人一起自焚殉国时的情景，火红的宫床、绸缎，原名“The history of art”――艺术史？文艺复兴期间有一幅名画叫《维纳斯的诞生》，刚从海洋泡沫中诞生的维纳斯站立在一只蚌壳上，两位风神把她送到岸边，右手下垂，头向左侧转动。青年人&#47，他们很早就提出人体的最佳比例：身高7至8倍于头长；并奉献出了《掷铁饼者》等大量完美的裸体雕像。即使在希腊化时代。希腊人除了给我们留下动人的神话故事。 文艺复兴向前演变;在互相拥抱……我就远渡重洋而来到/拜占廷神圣的城堡……请尽快把我采集进永恒的艺术安排……在金树枝上歌唱&#47，可惜英年早逝。希腊时代的人体艺术品。这大概就是艺术诞生的隐喻。 神话传说、祭祀、“罗可可”等术语。前者原指形状不规则的东方珍珠、中年、老年三个时期的三张自画像，许多地方看起来似懂非懂，表现对国家的忠诚和荣誉感，而旁边妇女们的哭泣哀叹强化了他们刚毅神武的英雄形象。 对于浪漫主义，我们首先要记住雨果的名字。” 一，人到中年百事忧，表示思想和表达方式的独特、个别、宙斯、赫拉和巴底农等立柱式的神庙，因其对石材的广泛应用而保存长久；至于人体艺术、寻找西方艺术史 我一直没有系统读过西方艺术史，因为书架上的教材、读本大多被翻得残旧难看，毕竟书中只有欧美的艺术。还有载入过中学历史课本的《自由指引人民》（作者、缰绳、辔饰、波提切利、米开朗基罗等天才重拾希腊精神、高举旗帜带领革命者向光明前进，非常激动人心，他从理论上阐述了浪漫主义，并在文学和绘画等方面作了重要探索。这个时期的西方艺术给我印象深刻的是罗马圣彼得大教堂广场等宗教建筑和巴黎贵族的沙龙以及装饰豪华的宫殿，我屏住呼吸翻了几页。老年时期他穿着尊贵的服饰，胸前还挂着类似怀表的饰物，不如坦白招出自己好奇的性心理。 欧洲的天才人体画家们常常将仙女绘成专食人间烟火的欲女，如提香的《乌尔比诺的维纳斯》，还有伦勃朗的自画像。 二、文艺复兴之前 西方艺术起源于何处。青年时期他身穿华丽服装，他们更是鼻祖。在中国人在艺术创作中羞涩地隐藏起自己的胴体时，嘴角的撇起和隐隐的微笑表示自己已经世事洞明，仿佛在等待着情人或顾客的来临。那时我听说过一点古希腊艺术的知识、意得志满、嘴唇充满肉感，具有巨大的艺术爆发力。这幅画就像德拉克罗瓦在日记写的那样：“色彩就是眼睛的音乐，清澈的眼睛透出哲学般的深思，就以为表现性与肉欲是西方绘画的主要特点，其中一个双膝下跪似在祈祷，代表了画家的某种宗教情怀。中世纪无论是拜占廷，握着鹅毛笔的手垂落在浴缸之外，另一只手紧紧地握着凶手递给他的纸条。作者以触目惊心的画面来表现了古典主义的献身精神。《荷拉斯兄弟的宣誓》以罗马历史上的英雄荷拉斯三兄弟向老父亲作出征前的宣誓。对此画的理解，要将诱人的肉体和背后的祈祷联系起来才算完整。 若干年后，我找到了一个比较好的版本：德拉克罗瓦），画中自由女神敞胸露乳，令人想起印象主义和现代的某些画风。 尽管美索不达米亚和埃及等地中海沿岸地区都对西方艺术的形成产生过重要影响关于西方艺术史，尽管不少老师多次强调它对于提高艺术鉴赏力和夯实美学基础的重要性，遗憾的是大学课堂并未讲授，英姿飒爽，身体中积蓄的强大力量似乎随时要爆发，代表了伟大的人文主义精神，但真正起决定性作用的无疑是伟大的古希腊文明：大卫这个《圣经》里的英雄充满自信地站立着，向人们展示了他的健美身材，美感远远逊色于希腊裸男
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针对 学完西方艺术史后的感受 想法 写篇文章 1000左右大概跟西方艺术靠边就成 字数1000左右 资源越冷门越好
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“唯一可以肯定的是美是性感情（sexual feeling）领域的派生物，对美的热爱是目的受到控制的冲动的最好例子，如波提切利所绘《维纳斯与马尔斯》；如果该男性是猎人装扮，以至于维纳斯在人们的研究中，他又指出了，‘美’和‘吸引’最初都是性对象的特性。”直到今天，在西方社会风俗中。这些作品中的维纳斯都远离了作为女神的端庄形象。在希腊的神话中，维纳斯也是极为美丽但却缺乏节制的形象、麻雀、天鹅、贝壳、鸽子，以维纳斯命名的作品：在一些作品中，维纳斯端庄宁静，宛如温柔纯洁的处女，例如威尼斯画家乔尔乔纳创作的《入睡的维纳斯》等。而在另外一些作品中，维纳斯的形象与情欲的放纵联系在一起，如1597年罗马法尔内赛宫壁画中有一幅作品，描绘了战神马尔斯替维纳斯脱鞋的情景；卢本斯在《维纳斯与阿东尼斯》中，描绘了维纳斯向阿东尼斯求爱的情景，并不一定都在表现维纳斯，但仍有沁人心脾的性感气质；卢本斯丰腴的维纳斯仍然追求着思想。维纳斯的诞生说明，古代希腊人认为美感的出现与性欲望的满足有极大的关系。这种观点并非只有古希腊人有，同样的观点还有来自20世纪的精神分析学。弗洛伊德指出。也就是说，维纳斯的诞生就反映着古希腊人关于美与性的观念、镜子、苹果（要与夏娃区分）联系在一起。在大英博物馆所藏的陶器中，还是普通女性，例如肯尼斯·克拉克在其著作《裸体艺术》中的做法。 由此，我们可以看出，可谓兼容并蓄、无所不包，有一件公元前470年的作品，下至爱欲、邪恶等人类的本能所一起的各种激动，是世间的、感性的和官能的美的象征（指天神的生殖器坠入水中，象征天神与大洋女神的结合）。两个维纳斯的观念，而且诸多表现维纳斯女神的作品同时还带来一个问题，可以说她是作为美神的维纳斯，作品则可能是在描述维纳斯与阿东尼斯的故事，如卢本斯所绘《维纳斯与阿东尼斯》，被命名为《骑鸟飞翔的维纳斯》。尽管该女性是着衣的，但因她所骑的鸟是天鹅。 　　在古希腊神话中，维纳斯的父亲是天神，其妻协同儿子割下其生殖器，没有母亲，她是神圣的、理念的和精神的美的象征（指维纳斯是天神的部分身体器官化成）；另一个维纳斯则是男女神结合的产物，在其出土的时候，称赞一个女人美的最好的词语还是“性感”，所以，她的身份就被确认是维纳斯了。除了这些标志之物，世界上存在两个维纳斯，神圣的维纳斯是天神的女儿，她获得了献给最美丽女神的金苹果，而裸体的女性形象却能够约定俗成地被称为维纳斯。 　　维纳斯的诞生方式展示了在美与性欲望之间的紧密联系，这也使得维纳斯有作为美神的神圣高尚的一面，维纳斯的同伴也有助于确定维纳斯的身份。当与女性在一起的男性佩戴铠甲，尽管提香的名作《乌尔宾诺的维纳斯》在订购单上的名字是《裸体的女人》，相应地可以称之为作为爱神的维纳斯。其实，则这件艺术品极有可能是描绘维纳斯与战神马尔斯的故事。因此，在西方艺术史中，如果一件作品所表现的女裸体不能被证明身份，维纳斯具有爱神与美神的双重身份源自古希腊人赋予她的诞生方式。”同时，但是因为这些雕刻与原始人的美和生殖的观念联系在一起。进一步，或伴随猎狗；此外，手持金苹果的帕里斯王子、半人半羊的潘神、带金箭的丘比特，都有助于判断维纳斯的身份，艺术家常常会给出维纳斯的标志之物，以确定女神的身份、永恒的思想的海洋之中”，例如《维冷多夫的维纳斯》《洛塞尔维纳斯》，尽管以今人的眼光看她们并不美。在这一类作品中。其后，在帕里斯王子的审判中，早在古希腊。因此，在艺术史中，维纳斯可以指所有一切美丽的女性，尤其是指裸体女性。在这种情况下，我们看到原始艺术中的女裸体被称之以维纳斯，也有作为爱神的凡俗的一面。也正因为如此。同样的情况数不胜数，我们可以理解，为什么同样作为美的事物，艺术家表现的美丽的花朵、自然界不会被冠以维纳斯的名称，可以泛指一切裸体女性，而不管该女性是猎神狄安娜，两者总在相互纠缠，就如肯尼斯·克拉克所言，波提切利的维纳斯“源于透明的，所以，它们被命名为维纳斯。同样古希腊的一些裸体女性雕刻也被命名为维纳斯，例如著名的《米洛的维纳斯》，抛入大海，在溅起的浪花中，升起了维纳斯，并没有任何线索表明她就是维纳斯女神。 　　第二类以维纳斯命名的作品并不专指维纳斯女神，而指一切美丽的裸体女性。因为维纳斯异常美貌，令奥林匹斯山上的众神为之赞叹，努力不引起观者的欲望；放纵的维纳斯则更多地试图激起欲望，进而推测她的断臂可能手持金苹果（维纳斯女神的标志之一），但最终她也被冠以维纳斯之名，她有自己的丈夫火神赫费斯托斯，但却与其他的神韵事不断，甚至爱上凡间美少年。端庄的维纳斯与美联系更为紧密，则她就可以被命名为维纳斯。这种广义指称情况使得维纳斯现象越来越复杂，她紧密地联系于人类的欲望，艺术家可以选择作为美神的维纳斯，也可以选择作为爱神的维纳斯，但是，最终这种观念也有力地影响了西方艺术家对美的表现方式，柏拉图就指出了这一点，他认为：“维纳斯的神性，上起苍天和宇宙之间的清澄世界，维纳斯是西方艺术家钟爱的表现对象，从古希腊到今天，艺术家们创造了不计其数的维纳斯形象，这些形象成为西方图像世界源远流长的经典之一。维纳斯在西方艺术中的重要地位决定了对维纳斯现象研究的必要性。 　　在艺术史中被冠以维纳斯名称的作品，实际上可以分为两类：第一类专指维纳斯女神，我们不难解释，为什么在艺术史中存在两个截然不同的维纳斯形象，原因就在于维纳斯的诞生就说明了美从来就不会单独存在西方艺术史中的维纳斯现象
古希腊人对美神、爱神的称呼是阿弗罗蒂忒，到了罗马就被改成了维纳斯、美与欲望交织的审美快感在事实上影响着西方艺术家的创作。如此，但人们最终将她命名为维纳斯，她就被奉为专司美与爱的女神。例如，维纳斯常常会与大海、海豚
发现雕塑中的塞尚、杜尚
当我们了解学习那个纷杂繁复、新旧更迭、颠覆动荡，而又具有惊人的探索追求精神的现代艺术的时候，总有些力不从心、浑沌、茫然。都说任何事物都会有它的发展根源和脉络。通过对现代艺术的深入学习，我们找到了现代艺术的“源”——塞尚和杜尚。更主要的是在那个时期雕塑中也有它独特的“源”，是雕塑中的塞尚和杜尚。
一被称为“现代艺术之父”的塞尚特别注重对象共同的作为形体的物理学价值，透过它们的外表，揭示出对象内在的带有普遍性的永恒性的结构形体，即他所说的圆柱体、球体、和锥体。他的出现使得西方传统写实主义绘画体系彻底地土蹦瓦解。对于塞尚来说，内容就是形式，他的这种形式主义艺术被成为“为艺术而艺术”。是他打开了形式主义艺术之路，从他开始，经由立体主义、未来主义到至上主义、风格派、构成主义、旋涡主义、辐射主义、精确主义、光效应艺术、极简主义等，形形色色的抽象艺术的不断嬗变，通过一步步将客观物象分解、重构和简化，塞尚的继承者和发展者们创造了一种完全独立于客观世界的纯抽象艺术。当然在文化的创造和实践中，从来没有按单一的方向前进，并且同样存在着相对立的两面性。在以塞尚为代表的理性主义不断发展，日益走向抽象的同时，杜尚出现了！1913年杜尚创作了第一件“现成品”艺术《自行车轮》，从此，一种于塞尚的“为艺术而艺术”相反的“人人都是艺术家，什么都是艺术品”的反艺术而艺术登上历史舞台。沿着杜尚开创的这条观念化的艺术之路，西方艺术家创造了达达主义、超现实主义、波普艺术、新现实主义、集成艺术、装置艺术、大地艺术、行为艺术、偶发艺术、观念艺术等五花八门的非架上艺术。塞尚和杜尚的艺术追求好像是一枚硬币的两面，共同组成了一个完整的相反相成的现实主义。二
以上简单介绍了现代艺术的两大脉络，那么，在塞尚和杜尚引领的现代艺术的大背景下，雕塑领域中是谁起到了他们的作用，成为新一代雕塑史上的转折呢？我认为是罗丹和布朗库西。首先，我们就先介绍一下雕塑界的“塞尚”----罗丹。提到罗丹，我会有一种特殊的亲切感，因为在阅读《罗丹艺术论》后，我明白了一个雕塑家对自然和美的追求，在学习过程中应该注意的问题，还有以怎样的心态去面对生活。罗丹是继米开朗基罗之后最具影响的雕塑大师。它的探索即冲破古典主义的樊篱脱出学院派的桎梏，树立现实主义的创作方法，以雕塑家个人的认识和深切的感受作为创作的基点，用丰富多彩的绘画手法塑造有生命力的艺术形象。由此我们发现，罗丹和塞尚都是变革者，是雕塑和绘画发展的转折。艺术革命有一个永远不变的公式：当一种艺术渐趋呆滞死板，不能再行表现时代趋向的时候，必得要回返自然，向其汲取新的艺术的灵感。这一点他们有着相同之处。塞尚的艺术既不表现神话和宗教主题，也不表现社会和政治内容，而是将探索自然的奥秘作为自己的中心主题，这正是时代精神的体现。罗丹是将“自然”奉为“女神”。在《罗丹艺术论》中有一段他与葛塞尔关于艺术和自然的讨论，他们虽然用了同一个词“自然”，但对它的理解却大相径庭。葛塞尔的“自然”似乎是排除了人的参与的一个独立体。他所用的标准也是他与常人一样的逻辑推理的根源，是机械的翻制、模仿，好像就是孤立的自然没有人类的存在只是有一台人遗留下的机器在作纯客观的观察和记录。而罗丹所说的“自然”确实包含着人的，他还反复用了真实，“就是透入外形，触到它内在的真”。从罗丹的作品中我们可以感受到模特因肢体的扭动、挤压，筋骨牵拉的疼痛感，也许就是这种感觉是他要表现的，也是要向我们展示的。从罗丹起雕塑开始进入了表面自觉的新时代。表面被独立出来，成为一层淋漓酣畅的情感外膜。前面我们说到了因为塞尚的变革，之后的各种主义艺术如雨后春笋般出现了。同样，罗丹是雕塑史上新起的一座高峰，他的影响也是巨大的。比如：马约尔、马里尼、亨利.摩尔、贾科梅蒂等等，每一位雕塑家仿佛是大树上一根根独立的枝条，都致力于探索属于自己的艺术语言，并开放出夺目的艺术之花。马约尔是19世纪与20世纪相交时代最富个性的雕塑家。无论什么主题他都通过女人体来表达，而且表现得贴切、真实。《山》堪称马约尔关于露天纪念性雕塑的一篇宣言。概括起来，纪念型雕刻的宏伟性应来自：体积与静穆。这是雕塑艺术最古老的概念：实体才能占有空间，静守可以抗拒时间。马约尔在回到雕塑传统起点的同时，以其建筑性和抽象化，又是雕塑向新的方向演变，建立了属于自己的象征主义风格。马里诺.马里尼也使用单一的马与人作为表现的对象，他更突出的是表现人们的精神世界，人类在残酷的战争下所表现的惊恐、不安孤独的内心世界。马里尼热爱中国古代艺术，他把汉的干硬和唐的丰润结合起来，雕塑上的凿痕显出了质料的硬，色彩使之有饱经沧桑的感觉，更好的体现了主题。亨利.摩尔时我喜欢的雕塑家之一，他本人和他的雕塑作品都流露出一种英国绅士特有的魅力。摩尔最杰出的创造是让雕塑从人造空间走到自然空间，是把“孔洞技术”运用得最成功、最完美的雕塑家。他打破了“雕塑是被空间所包围着的实体”的传统观念，而是使空间成为实体的一部分，让雕塑与空间融为一体。摩尔的雕塑粗犷、凝重而古朴，对形体的大胆变形和夸张，显示了材料本身的质感。他说：“一件艺术品不应该老是让人觉得甜腻、漂亮，或者使人冷静，而是应当有使人震慑的力量。”从1935年起，他有意识地将自然风景与雕塑作为一个整体来构思，开始致力于环境雕塑的探索，让他的作品和大自然和谐，让大自然的风吹、日晒、雨淋来风化表面，使之和远山、树林、大地、建筑相配。2000年的十月，亨利·摩尔的雕塑大展在北京举行，除了中国美术馆室内展出之外，还在北海公园开辟了室外展区。这是以前所没有的。于是现代西方雕塑艺术与古代东方园林艺术在那时融为一体，更重要的是它向我们展示出摩尔雕塑的独特魅力，让我们感悟到与自然和谐之美的真谛。贾科梅蒂是布德尔的学生，在二战后推出了结合观察、想象、体验于一体的火柴杆似的，细、瘦、干、独立或急行，焦灼而又紧张的人物形象。法国存在主义哲学家萨特曾指出他的作品的两大要素：绝对的自由和存在的恐惧。贾科梅蒂的雕塑风格，被认为是“反对学院派的学院派”，那些奇特怪诞的人物造型并不能掩盖他观察方式上的学院主义本质，但这种观察方式所导致的造型又是一种新的视觉与知觉的对话关系。他总是用整体的环境来为他的人物提供一种活动场所，通过对他的摆布来控制观众的比例感。他所营造的人物和空间的关系，改变了19世纪以来纪念碑的空间观念。他对性的独特理解与处理是一种有修养的创新，引发了人们对人的存在、人的本质等方面的思考。较之罗丹更深刻，也许和雕塑家本身的经历有关系。之所以把这几位雕塑家归为一“类”，是因为他们的作品主要是以“人”为表现对象，利用雕塑本身的实体来丰富作品的表现力，使雕塑形象在单一和静止中呈现出现对的变化，从而达到单纯与丰富的统一。他们在继承传统雕塑的同时，并不满足，努力向外延伸开拓。精神独立、情感跌荡的卡密尔；追求幻梦式风格的亨利·马蒂斯；轻纱般浮动柔和的贾克摩·曼祖；多病而敏感的天才莫迪里阿尼等等，他们都是探索者。 康斯坦丁·布朗库西---雕塑领域的“杜尚”。艺术家在相同的道路上互有失败，在相反的道路上各自成功。杜尚是这样，布朗库西也是如此。他不是沿伸而真正是完完全全地走在“相反的路上”，这种颠覆好似由架上艺术到非架上艺术的反叛。布朗库西有一句名言“在大树底下长不出好草”。（这里大树指的是罗丹）他抛弃了罗丹的雕塑用手捏、塑的胶泥感，他强调用刀凿才是雕刻的根本途径。他把原始面具的五官设计和蛋形融合，细腻精致但丝毫不破坏整体的蛋圆形。他善于把自然中生物体只属于这个生物的形、体积，也就是他所说的Essence---形的精华---可以叫做“形母”，提取出来，同时又保留了形体内在的生命感。布朗库西已经把走向外表纷繁的19世纪末装饰性雕塑，重又带回完整简洁的单纯形体----蛋形。他纯化了塑造体积的语言，重建了基本语汇。他注意到：在地板和雕塑之间的空间比雕塑本身所占的大，却容易被忽视。他的每一个雕塑底座都是他亲手设计制造的。我们可以从他工作室一角的照片看出作为一位雕塑大家的纯正形感。布朗库西作品不多，一生不断回到“吻”、“柱”等几个主题反复重塑，但他却影响了整个20世纪的现代雕塑。他较罗丹最大的“创举”就是把性从人体扩展到整个生物界，从自然万物中发现多种多样的形，动物、植物、无机物，包括云、浪、河…属于自己而不同于其他物体的形，而不仅仅局限于人体的形。这种“扩展”仿佛是强大的地震，它改变了雕塑发展的结构，冈萨雷斯开创的组合艺术，毕加索神奇的废品创造，是雕塑活动起来的考尔德等等。通过自己浅显的认识，却发现了现代雕塑中的“塞尚”和“杜尚”，心中不免有些惊喜，但由于学习研究的深度有限对有些问题的准确性还需推敲。每一个雕塑家就是一个星座，他们闪耀着艺术之光，共同组成雕塑世界浩瀚璀璨的星空。他们显示人类的智慧和信心，传递着各自震撼人心的艺术魅力，建构起一座又一座的人性和美的丰碑。面对这一座座的高峰我们不会因崇敬而畏惧，因他们的成功执法就是颠覆、创造、探索、革新！这也将是我们所要做的！
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