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世界电影大师108将
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TA的每日心情开心 21:33签到天数: 15 天[LV.4]偶尔看看III
一 爱迪生：电影的接生婆（）& &
& & 有人问他什么叫生活，爱迪生说：“工作。发现大自然的秘密，利用大自然为人类造福。”爱迪生一生获得的专利有1000多项，从他16岁的第一项发明------自动定时发报机算起，平均12天半就有一项新发明。是他，把人类带入了电光时代；是他让电影走出了实验室。
& & 爱迪生日诞生在美国俄亥俄州的米兰小市镇。8岁时，爱迪生进入了一所乡村小学，三个月后，被老师斥为“低能儿”而没撵出校门。此后，母亲便成了他的老师，读书成了他的最大兴趣。11岁时，他便读完了《罗马兴亡史》、《英国史》、《世界史》、《自然与实验哲学》等书。
& & 一次，爱迪生拿到母亲给他买的一本专门介绍物理和化学实验的书，他就照者上面说的实验。看书上讲到气球之所以能够升空是因为中间充满了气体，他就想，要是人能充气不也是可以飞起来吗？于是便找到邻居朋友来做实验，爱迪生拿出一包“沸腾散”说：“只要你吃下这包药，马上就能飞起来。”结果，他的朋友当然没有飞起来，而是肚子疼得打滚。
& & 12岁的时候，爱迪生在列车上售报，一边卖报。一边兼做水果、蔬菜生意。他买了一架旧印刷机，开始出版自己的周刊——《先驱报》。他还用自己挣的钱在行李车上建了一个化学实验室，有一次着了火，他连同他的“宝贝”被一同扔到了车外。
& & 1862年8月，爱迪生救出了一个在火车轨道上即将遇难的男孩。孩子的父亲为了感谢他，教给了他电报技术。从此，爱迪生便进入了这个神奇的电的世界。
& & 1862年，爱迪生获得了第一项发明专利——投票计数器，他认为这台机器能加快国会的工作。然而，位国会议员告诉他，他们无意加快进程，有时候，慢慢地投票是出于政治上的需要。自此，爱迪生决定：再也不搞人们不需要的发明。他也的确是这样做的，两年后，他与友人合投了“波谱——爱迪生公司”，他的发明一发不可收拾。
& & 有关电影的发明知识爱迪生发明生涯中的一部分，而这一部分使电影走入了新的时代。
& & 1877年。爱迪生发明了留声机，留住声音——人类的耳朵得以与时间和空间抗衡。之后，他又有了这样的想法：“我可以设计一种像留声机之于耳朵一样的对眼睛发生作用的机器，然后将两者结合，就可以把运动的画面和声音全部记录下来，并能同时再现。”活动电影放映机和之后的有声电影就这样诞生了。
& & 1889年的一次旅途中，爱迪生画了一张摄影机草图，为他工作的递克逊成功的制造出了一台能讲几个动画形象记录在一条短胶带上的相机，还制作了一台能观景器，人们由此呢感看到移动的画面，这便是活动电影放映机的雏形。经过改良后，1891年，爱迪生获得了“活动电影放映机”的专利权。
&&一所长方形的建筑，中间部分很高，顶部有个大门，打开时阳光便照到演员身上 ——这是在爱迪生实验室的庭院里建起来的世界上第一座电影“摄影棚”。整个摄影棚可以在围城半圆形的铁轨上移动，以保证拍摄区域全天有阳光。摄影棚虽简陋，却吸引了形形色色的演员。
& & 日，第一家活动电影放映机影院在纽约开放并引起了轰动。两年后，爱迪生又声厂出了新的放映机，名为“维台放映机”，4月23日纽约的科斯特-拜厄尔的音乐堂首次用它来放映影片。第二天的《纽约时报》这样描绘当时的情景：“昨天晚上，音乐厅的灯光全部熄灭后，从角楼里传出了一阵阵嘈杂的机器声音，一道耀眼的光柱射到了幕布上。于是，大家看到了两个金发妙龄演员，穿着花花绿绿的衣服，飞快地跳着雨伞舞。她们的动作是那样的清晰鲜明。当她们消失之后，出现了一片惊涛骇浪，向靠近石堤的沙滩冲击，使观众大吃一惊......这些镜头都异常逼真，因而也别使人兴高采烈。”
& & 就是维台放映机获得成功的时候，巴黎的卢米埃尔兄弟和英国的罗伯特·鲍尔已开始在剧院放映电影了。有人说：“要明确断定谁是这个领域中的第一位成功这确是难题。”
&&爱迪生在美国电影初期占有重要地位，或许可以说并不是因为他早期的发明，甚至也不是因为他的机器的质量，而实际上“是因为他通过一系列法律方面的活动，为其摄影机和放映机在美国取得了专利。”
& & 1903年，有爱迪生公司摄制了第一部故事片《火车大劫案》。这是一部美国西部片，有激烈的动作，并成功运动了剪辑技术，成了全过纷纷出现的“五分钟影院”的开幕节目。
& & 当爱迪生终于将留声机和活动电影合而为一的时候，他激动地说：“我早就想把声和像合在一起，已经想了30多年，现在算大功告成了。”电影终于在那一年插上了声音的翅膀，那一年是1914年。
& & 就在那一年的12月9日，爱迪生的影片实验室突然起火。爱迪生边指挥救火，边在小本子上记着什么。原来那是再建胶片车间的方案草图。一场大火使爱迪生损失了至少几百万元。而他却安慰老妻道：“不要紧，别看我已经67岁，可是我并不老。从明天早晨起，一切都将重新开始，我相信没有一个恩会老得不能重新开始工作的。”第二天，爱迪生不但开始重建车间，还开始了他的另一项发明——为消防员设计的便携式探照灯。
& & 爱迪生为电影铺就了起飞的踏板。他说：“对于电影的发展，我只是在技术上出了点力，其他的都是别人的功劳。我希望大家不要只拿电影来赚钱，也要为社会多做一些有益的贡献。”一席话至今余音未绝。
二 伊斯曼:& & 电影诞生的助产士()
& & 电影是严重依赖技术的艺术。而它的现实媒介，到目前为止，仍旧是电影胶片。而电影胶片的发明人是一个美国人，他叫伊斯蔓，就是靠着这个发明，他成了对电影的诞生产生了最重要影响的人之一。如果没有他的发明创造，电影的诞生显然是一个未知数。
& & 我们现在非常喜欢使用的柯达胶卷，就是伊斯曼所注册的——他是柯达公司的创始人，现在柯达公司生产的胶卷在全世界流通和被人使用，而伊斯曼，就是这个古老帝国的缔造者。
& & 要是说起来电影成象的历史就更加久远了。早在11世纪，有科学家就发现，可以通过一个小孔，让外面的形象在内部显现出来。16世纪，意大利文艺复兴时期的画家达·芬奇就提出了一个“黑箱”理论，他的理论的意思是通过一个黑箱子射出的光线，快乐仪看到放大在对面墙上的颠倒的影象。此外，还有一些发明家发明了“魔灯”，这是一种通过对蜡烛和透镜放映画面的方法，来展现变动的影象。
& & 而在电影诞生之前，照相技术是首先问世的，照相技术是电影摄影艺术之母。法国人尼挨莆斯是照相术的发明人，那个时候人们都不敢相信，自己的面容会固定显影出来。从此，人们可以十分神气地通过照相技术把人和景物留在金属板上。但是，当时的胶片是十分原始的。稍后，法国人路易·达盖尔发明了银板照相术，这样，照相技术就稳定和前进了一大步。而法国人马莱则发明了摄影枪，这样，在摄影的深度和广度上都有突破，为电影的诞生创造了新的条件。
& & 与此同时，美国人在沿着另外的思路前进，大发明家爱迪生发明了电影视镜，人们可以看到活的影象，而且驱使他发明这个东西的原因就是为了追求财富，他认为这个发明将会给他带来财源滚滚。后来，爱迪生确实从早期的电影技术发明中发了财，享有着一些关键技术的专利。这样，这个时候，由于摄影技术和媒介本身的发展变化，就非常接近电影的诞生了。
& & 伊斯曼出生在美国，19实际是一个发明创造特别茂盛的时期，伊斯曼24岁的时候，就对摄影发生了浓厚的兴趣，而这个时候关于各种成像技术的发明更是方兴未艾。当时摄影用的感光材料是湿片，必须要在摄影前临时在玻璃上涂抹感光层，并且必须在它干之前拍摄和冲洗。而更麻烦的是，外出摄影时还要带上帐篷和各种药水，这样才能够在室外的环境中拍摄照片。
&&这太麻烦了，伊斯曼下决心改变这个面貌，于是从感光材料入手，开始了他的决定性的发明创造。有一天，他从一家英国的杂志上看到，摄影家们正在研究一种可以在干燥之后使用的明乳胶剂，这个时候，他的眼睛一亮，于是自己立即动手，直接根据文章中的化学配方，开始制作明胶乳剂，不期然取得了很好的效果。1880年，他就租了一个阁楼，开始生产和销售他自己制作的照相干版，他的这个手工作坊，就成了后来世界最大并且现在仍旧占领着胶片的巨大市场的柯达公司的诞生地。
& & 技术进步的原动力就是不断使发明创造使用起来更加方便。当时他制作的照相干版十分笨重，又容易破碎，不好携带，1884年，他发明了一种涂抹在纸上的照相卷纸，拍摄之后加工冲洗，从玻璃上印制，就可以尖刀照片了，这一下子使照相技术提高到了一个新的水平。这一年，也是他的伊斯曼柯达公司正式成立的时间。
& & 伊斯曼把柯达胶卷投放市场，使照相技术发生了革命性的变化，1888年，他把这种在赛璐璐片基上使用的胶片乳剂申请了专利，两年以后，爱迪生发明了活动电影放映机，可以在机器上放映影象了。1889年，伊斯曼研究发明了新型的感光胶片，为电影的最后诞生创造了十分有利的条件，加上爱迪生的发明，很快，法国的卢米埃尔兄弟就在1895年发明了手提式的电影放映机，促进了电影的诞生。
& & 这其中，伊斯曼的胶片技术显然起着极其重要的作用。伊斯曼很快就获得了“胶片大王”的称号，他的柯达胶卷占领了绝大部分市场。20世界初，电影刚刚诞生的几个年头里，电影放映竞争十分激烈，很多人以为这是一个新的生财之道。而爱迪生甚至还成立了一个托拉斯，来垄断美国的市场，发财心切的爱迪生当时说动了伊斯曼，叫他答应了只把胶片提供给爱迪生的托拉斯。但是这个时候也给竞争对手、另外一家胶片公司提供了机会竞争对手开始抢占别的市场，很快，伊斯曼又把目光放到了当时的欧洲，而欧洲的电影胶片的使用，比美国要多得多，很多国家都把电影当作新的工业。他的胶片很快就四面开花了。
& & 当时还有“不燃性胶片”与他为敌，但是后来证明那只是一个假设，他的胶片制造十分顺利。在伊斯曼逝世之后，柯达公司也没有停止发展，而是成为了一个拥有10万人以上的雇员跨国大公司，成为了一个名副其实的胶片帝国。
& & 而柯达公司对电影的贡献也没有停止，因为不存在停止的技术，只有更好、更完美的技术，1948年，柯达公司发明了专门用于专业电影的不容易燃烧的安全片基，1950年，公司的科学家发明了可以稳定色彩影象质量的成色剂，这两项发明都获得了美国电影艺术与科学学院的技术大奖。1985年，柯达公司正式宣布参加视频的市场竞争，与电子视觉艺术的关系越来越近了。& &
三 卢米埃尔兄弟：& & 电影的双生父亲（1862-？ ）
& & 电影像一个酝酿已久的幽灵，在空中等待、盘旋多年之后，借助卢米埃尔兄弟之手，选择了巴黎作为自己的降生地。
& & 安东尼·卢米埃尔1840年生于法国上索恩省莫瓦城，原来是一个招牌画匠，后来经营照相馆，生意日渐兴隆。儿子奥古斯特·卢米埃尔生于日，路易·卢米埃尔生于日。父亲安东尼教他们摄影技术，弟弟路易·卢米埃尔是出色的摄影家，对主题的快速组织方法和优美有力的构图使他成为当时接触的摄影师。他擅长的快速摄影很快在自己研究的新型感光材料上得到了技术的支持。老父亲安东尼还把他们送到了“马蒂尼埃工伤学校”学习管理，以避免他们成为不问家业只顾个人趣味癖好的花花公子哥。对静态摄影的关注、研究，为动态摄影的诞生和发展奠定了技术基础，而对商业管理的谙熟确保卢米埃尔家族能够生意兴隆，为“活动电影机”的研究、实验开发找到雄厚的资金支持，因为这在当时还是一项费财而不惠的风雅事业，没有对风雅之物非功利的爱好和巨大的资金投入，电影的诞生是难以想象的。因为几秒钟的放映要耗费许多价格极高的胶片带子。普通人，甚至国立实验室，都是无法从事这种即要耗费大量金钱而又少有真正成就的事业的。
& & 但电影精灵的投胎降生也并非只选定了卢米埃尔一家，美国的爱迪生的“电影视镜”已经解决了电影诞生的大部分问题，巴黎的马莱和他的学生第米尼研究的“表声照片机”也取得了专利，第米尼1895年制造了活动摄影机可以看到柯达式的小片轴，但胶片还没有洞孔，连续放映时如何稳定均匀而不伤害胶片的拉片方式问题，还没有解决。
& & 日，在美国百老汇大街53号的一家戏院里，拉泰姆兄弟的“电影”首次公映，但放映的质量很差，画面窄小，银幕只有一张小餐桌大小，放映时间不到四分钟，几个星期之后，放映停止。
& & 而几乎在同时，威廉·保罗、约利、百代、桑松及其他五十多位发明人，在世界不同的地方，都想天空中久久盘旋的“小精灵”翘首以盼，诚发邀请。
& & 卢米埃尔兄弟加快着他们的步伐，他们靠技术革新发明的“蓝标”新底版积累着财产，因为如果没有这项救命的发明，卢米埃尔家族在竞争激烈的摄影器材业方面可能早已破产。奥古斯特·卢米埃尔和路易·卢米埃尔以毅力和智慧，在充满困难的环境中，孜孜不倦地工作，建立了他们的工业。
& & 但“活动电影机”的技术进展仍卡在如何牵引胶片的问题上。兄长奥古斯特·卢米埃尔说：“有一天早晨，我到我弟弟的房间去，当时他正有点不舒服，躺在床上休息。他告诉我说他因为睡不着，在夜深人静时想出了为了达到放映目的所具备的条件，并已设计了一种能满足这些条件的机械......我的弟弟在一个夜晚就发明了活动电影机。”
& & 卢米埃尔兄弟用一个类似缝纫机上压脚的偏心轮部件解决了胶片的牵引问题，“活动电影机”在商业上取得了成功，这种拉片方法至今还在摄影器械里使用。他们的“活动电影机”1895年取得了专利，专利证书上用了与马莱研究的“软片式连续摄影机”相近的名称：“摄取和观看连续照片的器械”。以表示对马莱教授的尊敬。两兄弟还一再声明，他们的工作是由于爱迪生的“电影视镜”来到法国和当时书报上对它的叙述才开始的。
& & 卢米埃尔兄弟到希腊词里寻找字根，创造了新的名词Cinematographe，用来称呼这种集摄影、放映、洗印三种用途于一身的器具，他们用技术上确凿无疑的领先，为电影的降生做好了温暖的巢穴。而Cinematographe的简写Cinema，被用来称呼这新世纪的发明。有人曾把这一发明和那些促进大型纺织工业诞生的英国制造商相比拟，指出人类将因此种发明带来历史上空前、激烈的改变。
& & 卢米埃尔兄弟还确定了电影胶片每秒16格这样的速度标准。马莱确定的每秒10格的速度，使画面闪烁抖动、模糊不清，爱迪生“电影视镜”每秒48格的速度，在拍摄一般物体运动时没有必要，卢米埃尔兄弟找到了每秒16格这一恰当的速度，成为以后无声电影共同采取的胶片速度。
& & 卢米埃尔兄弟的重大贡献还在于对“活动电影机”的现实应用方法，他们没有象爱迪生的“电影视镜”等发明那样，仅仅拍摄一些具体、规则化的视觉奇观，并且仅仅供一个人观看。卢米埃尔兄弟把摄影机直接架到了阳光下的巴黎，让我们看到了现实在银幕上活了起来。
& & 《工厂大门》是卢米埃尔兄弟怀着对自己家族的骄傲拍摄的。这是他们家设在里昂的工厂的大门。工厂的两扇大门打开，如此多的职工、如此大的规模，“工厂大门的人流”作为整个工厂朴素的戏剧性瞬间被记录了下来：首先出来的是女职工，他们穿着紧身上衣的拽地长裙，戴着有缎带扭结的帽子。接着出来的是男职工，大部分推着自行车。大队人群结束之时，大门口跑出一只蹦蹦跳跳的大狗，然后，看门人出来，把两扇大门关上。
& & 这部影片是路易·卢米埃尔放映的第一部影片，日曾在依次叙述法国照相工业的演讲上放映，当时是为了借此说明法国照相业已经达到的水平。1895年6月，卢米埃尔兄弟曾想法国摄影协会大会的代表们放映他们在24小时前拍下的场景：大会代表们在河边散步，他们在镜头面前高亢激昂地交谈说笑......代表们看到自己的活动影象第一次脱离自身在画面上运动，他们大为惊奇的表现使路易·卢米埃尔认为自己找到了又一个商业机会。为此他后来表示自己的助手经常到啊人流熙攘的巴黎街头假装拍摄，那些在这架摄影机前走过的人希望在晚上看到自己在银幕上的样子，他们呼朋唤友，为卢米埃尔兄弟引来了更多的观众，做了更大的宣传。
& & 《火车到站》中，由远而近的火车仿佛要冲出银幕，惊骇的观众起身逃跑，担心自己被火车压着。在这里观众和摄影机看到的东西已融为一体，摄影机第一次变成故事里的角色了。
& & 《婴儿的午餐》中是兄长奥古斯特·卢米埃尔一家的午餐场景，安静晴和的夏天，奥古斯特、妻子和女儿坐在餐桌前，风吹乱了奥古斯特又黑又浓的头发，夫人用嘲笑而温柔的眼光注视着他给女儿喂粥，小女儿在吐着唾沫，还用小手扯这自己的围巾。在他们背后，花园的树叶在阳光下闪动，这一细节，对电影习以为常的我们要很留心才能注意到，而在1896年却使当时的观众大为惊奇，他们发现“风吹动了树叶”。
& & 诸如“风吹动了树叶”，“风把烟雾吹散”、“海浪冲击海岸”等奇迹式的再现，使人们对电影不同于舞台的写实魅力大为惊叹，早期影评家这样赞许：“这和现实中我们看到的自然情景完全一样！”卢米埃尔兄弟用摄影机对现实进行了充满诗意的朴素礼赞，他们用镜头发现了“动”，也更在观念上确认了“静”。
& & 《拆墙》以“特技”的倒放手法使一堵在烟尘中消失的墙重又立了起来；《水浇园丁》制造了戏剧性的小噱头；《摄影大会代表的下船》开创了新闻片的先河，《烧草的人们》表现了美丽而具有纵深感的烟。“风吹波浪，白成诗篇”，卢米埃尔兄弟的摄影机镜头是向现实开放的，他们在电影发明伊始勇敢、莽撞、无忌的举动，为日后电影的发展已经打开了许多空间。新浪潮等日后的导演们在自己的作品中经常模仿他们的早期作品片段，甚至有的导演干脆就把其中一段原片毫无原由地放进了自己的影片，恶作剧式的粗鲁，天真地表达着他们对卢米埃尔兄弟无可置疑的敬意。
& & 日星期六晚，巴黎卡普辛14号“大咖啡馆”，卢米埃尔的“活动电影机”在咖啡馆的地下室第一次售票公映。这是卢米埃尔兄弟寻找的理想放映地，因为它最多只有一百二十几个座位，在这样小型的场地放映，万一成绩不佳，也不会闹的沸沸扬扬，败坏了日后的生意。
& & 在此之前，举行活动照片售票公映的有：勒洛埃（日在克林顿），拉泰姆（日在纽约），阿尔玛特与坚金斯（1895年9月在大西洋城），勒洛埃-拉泰姆（1895年夏季在波士顿，芝加哥与纽约），斯克拉达诺夫斯基（1895年11月在柏林）。但都由于放映质量差、放映题材平庸而没有产生广泛影响。
& & 日“大咖啡馆”的地下室，更像是一种神秘而羞涩的招魂仪式，盘旋在空中的精灵在迟疑着自己的下一步路程，《工厂大门》、《火车到站》、《水浇园丁》等为时30分钟的放映，在观众热烈的反映中宣布了电影的诞生，消息由巴黎传想全世界，人们在不同的地方共同分享着电影诞生的消息：许多人酝酿准备了许多时日，分娩诞生却用了半个小时。
四 乔治·梅里埃：& & 电影魔术师（）
& & 日这一日子，标志着电影器械发明时期的结束，实验室阶段的电影生命宣告终止，电影风行的时代由此开始。
& & 法国人乔治·梅里埃是电影诞生时期对电影有重要影响和推动的人，按照他自己的说法，他是第一个把电影引向戏剧的人，从而为电影的发展指示了一条道路。从现在已经有些模糊不清的照片上看，梅里埃的下巴上有着一撮络腮胡子，更像是一个俄国人，他的额头有着意志坚定的人才有的那种坚毅的光芒。
& & 电影作为故事片，而不光是一种猎奇般的影象记录和展现，在他之前有人尝试这样做了，但是不太成功，到了他这里，因为“电影戏剧”的诞生，电影才在他的手里前进了一大步。
& & 乔治·梅里埃是巴黎罗贝乌丹剧院的老板，在他的这家剧院，平时上演的都是戏剧和魔术、杂耍等节目，因此他对戏剧和魔术特别熟悉。
& & 在1895年卢米埃尔兄弟综合别人的发明创造、促使电影真正诞生刚开始的两年里，巴黎的观众疯狂地前往影剧院，观看卢米埃尔兄弟拍摄的影片，像《火车到站》、《工厂大门》、《婴儿午餐》、《儿童吵架》等等，给剧院带来的滚滚财源，使梅里埃非常吃惊，他开始担心戏剧和魔术的未来命运了。不过，这个时候的电影，大都是一些记实色彩的短片，一开始还引起了人们的巨大惊奇，像《火车到站》在放映的时候，人们都会惊恐地在剧院摇动身体，企图托庇在银幕上轰隆隆开过来的火车。但是时间长了，人们对卢米埃尔兄弟和其他人拍摄的老一套的影片，那些只是单纯记录生活真实场景的短片感到了厌烦。很快，就没有太多人喜欢到剧院看电影了，电影才问世一年多，就已经落到了“人前冷落鞍马稀”的地步。
& & 这个时候，在巴黎只有寥寥几家电影院还能够苦苦支撑，但是也经营惨淡，变成了外省人在巴黎旅游时才看的东西。这时连电影的发明人卢米埃尔兄弟都认为，电影机将很快被淘汰，变成小孩才玩的玩具。
& & 而正是这个关键的时刻，乔治·梅里埃推动了电影事业的前景。作为剧院的老板，他特别熟悉观众的心理，也熟悉电影和戏剧这个娱乐行当的经营之道。平时，在他的剧院里表演魔术的空隙里，他就插着放映当时的电影短片，对观众的反映十分了解，对当时电影失去了吸引力的原因也非常清楚。
& & 1897年，他看到了一本在美国出版的《魔术》一书，受到了很大的启发，1898年以后，他就屏弃了实地拍摄外景片和记录自然现象的“科学片”的做法，而是受到了魔术的启发，在“排演片”和“变形片”上动起了心思。显然，“排演片”就是电影戏剧化的努力，而“变形片”就是现在的科幻片和魔术片的前身。
& & 于是，乔治·梅里埃在拍摄电影的时候，动用了光学效果、美工、布景、特效、魔术、舞台机关设置、模型等各种手段，来丰富电影的魔幻和具有想象力的艺术效果。他在1900年以后几乎就没有走出自己的摄影棚——他创造了最早的摄影棚，把电影的生产第一次放在了可以称做工厂车间的摄影棚里进行。
& & 同时，在电影的表现内容上，他远远地抛开了死板僵硬的记实手法，而是无论喜剧、追逐场面、丑角表演、杂技、乡村剧、芭蕾剧、歌剧、戏剧、宗教仪式、历险故事、时事、社会新闻、灾害、犯罪和谋杀等等，都成了他拍摄的内容，他是完全“排演”——实际上是导演有了这些故事内容的影片，极大的丰富了早期电影的表现力，又重新把观众拉回到了电影院。
& & 因为乔治·梅里埃是剧院老板的原因，所以他认为电影也是一种魔术，只有发挥电影的影象魔术的魅力，电影才会更有意思，也才会有更多的人观看。于是，他很快地把电影拉上了正路，电影迎来了一个新的、更大的发展空间。我们现在根本就不可能想象到，电影草创时期竟然是这么的岌岌可危，多亏了像梅里埃这样的大智大勇之人，才使电影沿着正确的道路前进了。
& & 其实，乔治·梅里埃也可以算是早期的类型片创始人，如果从影片的内容上来划分，他的电影有爱情片、歌舞片、动作片、科幻片、剧情片、犯罪片、战争片的雏形，他对电影的贡献是十分巨大的。他认为电影的疆界是十分广阔的，凡是想象力所及之处，都是电影应该表现的地方，于是他把自己的想象力，完全凭借各种舞台的技术和手段，用电影胶片加以实现。比如，有一次，在拍摄巴黎街景的时候，公共汽车驶来的时候，胶片卡住了，这个时候一辆灵车来到了刚才公共汽车的地方，当影片在银幕上放映的时候，公共汽车就变成了灵车，这给了乔治·梅里埃很大的启发，促使他用停机发拍摄了早期的故事片《贵妇失踪》。他充分地发挥想象力空间，把各种人们的美梦都拍摄出来，带领观众进入幻觉的世界。他在那几年拍摄了《海底两万里》、《灰姑娘》、《天文学家之梦》、《仙女国》、《天方夜谭》、《橡皮头人》、《鲁宾迅漂流记》等影片，把故事和电影技术结合，复活了刚刚诞生就面临危机的电影艺术。
& & 1902年，他根据作家凡尔纳的科幻小说《月球旅行记》拍摄了同名电影，这是一部早期比较成熟的科幻片，长达16分钟，一时间巴黎是万人空巷，他们都蜂拥到电影院看这部影片。这部影片也预示了整个20世纪电影发展的光辉耀眼的历史。
五 大卫·格里菲斯：& & 美国电影之父（）
& & 大卫·格里菲斯是美国电影开创时期最重要的电影导演之一，冠在他头上的称号有“好莱乌之父”、“美国电影之父”“电影界的莎士比亚”等等光荣称号。但是他在1948年孤零零死于美国一家旅馆的时候，几乎已经被人遗忘了。而后来对他的评价却越来越高。
& & 格里菲斯出生于美国肯塔基州的一个村落，22岁开始在一家剧团中担任戏剧演员，在美国各地演出。他曾经尝试当剧作家，但是没有成功，于是就和妻子一起担任演员。1908年，他导演了自己的第一部电影《桃丽历险记》，从此开始了自己的导演生涯。此后五年的时间里，他一共导演了450部电影，当然，因为在电影默片时代，这些影片绝大多数是短片。要是长故事片，一个人是根本不可能导演那么多部电影的。
& & 这些影片的题材十分广泛，有喜剧片、剧情片、恐怖片、西部片等各种题材，各种类型他都进行了有益的开创性的探索。格里菲斯一开始就非常注重演员和明星的作用，在这个时期已经推出了像道格拉斯·范朋克、玛丽·壁克馥这样的电影默片时代的表演大家，使电影成为了华丽的人物聚会。
& & 后来的电影史家认为，就是他在拍摄这些影片的时候，尝试了各种各样的电影拍摄技巧，对后来的电影的拍摄影响巨大，比如交叉剪辑、镜头移动角度法、滑动拍摄法、人工照明、逼真布景、闪回叙事、特写镜头、段落着色、拼接书面法、软聚焦、叠化法、渐隐法、圈入式圈出、入画式出画等等。这些电影拍摄的各种技巧，为电影成为成熟的影响艺术，对后世电影发展的影响，简直无法估量。
& & 而且，他还是美国电影制作大本营好莱乌的促成者。由于他把摄影组搬到了西海岸，直接地促成了好莱乌的最初形成。1913年，他离开了聘用他的电影公司，自己足见了新的电影公司，1915年拍摄了影片《一个国家的诞生》。这是一部在电影史上十分重要的影片，已经成为经典。它根据美国作家狄克迅的作品改编，完全站在美国南方奴隶主的立场上，来看待美国的种族问题，描绘了仇视黑人的美国三K党的诞生。影片放映以后，引起了黑人甚至许多进步白人的愤怒，结果被权威部门——“全国电影评论委员会”进行了审查，一些地方开始禁止播放这部，后来，原作者狄克迅的老朋友威尔迅当上了美国总统，他通过了总统施加影响，使得这部影片获得了正面和积极的评价，票房大获成功。现在看来，即使是这部电影的内容违背历史潮流，有着种族主义的偏见，但是因为这部电影是美国电影成熟的标志，美国电影由此摆脱了自卑感，走上了蓬勃的发展之路，所以，对他的评价没有因为他的观点而降低。
& & 1916年，格里菲斯开始拍摄电影巨片《党同伐异》，这部影片的拍摄用了接近两年的时间，把格里菲斯通过《一个国家的诞生》所赚的钱都投入了进去。影片的时间跨度从古代到现代，分为“巴比伦的陷落”、“基督的受难”、“圣巴托罗米节的屠杀”、“母与法”等四个部分，清洁也十分复杂，看来，格里菲斯企图通过这部影片描绘人类的悲剧，他想表现的东西太多了，似乎影片都容纳不下了。影片的外景完全是在好莱乌搭建，所以耗资巨大。影片拍摄完成以后在票房上遭到了惨败，一下子使格里菲斯债台高筑，但是随着时间的推移，后来的人们意识到了这部影片的巨大的艺术价值，给了它很高的评价。
& & 当时，格里菲斯的确受到了很大的打击，1919年，他和范朋克、壁克馥、卓别林等几个朋友组建了联美公司，他又执导了新片《残花泪》，但是没有挽回自己失败的命运。从20世纪20年代以后，他的影响就逐渐的减弱了，1931年拍摄了自己的最后一部电影《斗争》，就再也没有拍摄影片了。1935年，美国电影艺术与科学学院为他颁发了特别奖。此后，他准备受冷落，因为性格孤傲，所以后来几乎隐居起来。
& & 但是其他的人从他摔倒的地方站了起来，好莱乌电影巨头、奥斯卡奖的创始人路易斯·梅耶，当年就是靠借债发行格里菲斯的《一个国家的诞生》，才赚到了自己的第一笔大钱的。
& & 1936年，因为和一个比他小34岁的女演员缔结了第二次婚姻，他又焕发了火力，担任了影片《公元前一百万年》的艺术顾问，但是因为和该片的导演发生了争执，合作破裂，影片字幕上都没有他的名字出现。
& & 日，他摔倒在自己当时隐居的一家旅馆大厅里，从此就再也没有醒过来。在他的葬礼上，只有4个人前来为他告别，那些从他的事业中捞到好处的好莱乌巨头，没有为他花一分钱，也没有树立关于他的纪念碑。
六 罗伯特·维内：& & 德国电影奠基人（）
罗伯特·维内以他富有表现主义风格的《卡里加里博士》为后人留下了一件最有争议的作品，片中舍扎尔棺材中的僵尸形象，为后世恐怖片创造了基本原型，卡里加里的形象，成了后来许多影片中科学怪人和专制暴君的先驱，《卡里加里博士》被称为德国表现主义诞生的重要标志，当时的人们甚至以“卡里加里主义”作为表现主义的代名词。刘易斯·约可布斯在《美国电影的兴起》一书中说：“没有一部电影，哪怕是《一个国家的诞生》，曾经想《卡里加里博士》那样，在一个月内引起如此多的评论、争鸣与思考，那是创记录的。”
& & 维内日生于德国的萨斯库，1912年作为编剧进入比奥斯科普电影公司，他独立导演的第一部影片是《他右，她左》，这是德国电影史上一部很重要的影片，成为德国表现派的代表作。
& & 《卡里加里博士》讲述了大学生弗朗西斯的精神幻觉。卡里加里博士身裹一件黑斗篷，一双眼睛在厚镜片后诡异的四处张望，他的帐篷里有一口棺材样的箱子，里面有一个死尸模样的任务2——舍扎尔。卡里加里博士用催眠术驱使舍扎尔不断杀人，恐怖的气氛笼罩在小镇。终于人们有机会追上了在陡峭屋顶行走如飞的舍扎尔，在卡里加里博士的办公室，弗朗西斯发现了一本详细记载如何对舍扎尔实施催眠术并利用他去行凶杀人的日记。山下的农民送来了跌死在道旁的舍扎尔的尸体，人们把卡里加里博士送进了禁闭室......然而影片最后告诉人们，前面一切竟是大学生弗朗西斯的精神幻觉，酷似卡里加里博士容貌的疯人院院长微笑着把弗朗西斯送进了禁闭室。
& & 《卡里加里博士》原来是卡尔·梅育的剧本，他是德国无声电影时期一个重要的电影剧作家。他做过商贩、流浪画师，当过演员，在大战期间当过兵，由于行动反常，曾被送进精神病院治疗。卡尔·梅育和他的诗人朋友汉斯·雅诺维支共同创作的剧本《卡里加里博士》的剧本里，卡里加里是真正的杀人疯魔，他利用催眠术驱使无辜的青年去杀人，作品中充满了疯狂和惊恐。但制片人买下剧本之后，对剧本大加改动，经罗伯特·维内之手，把情节改为一个套盒结构，卡里加里博士不过是大学生弗朗西斯的一个狂想，卡里加里由一个恐怖杀人的疯子变成了慈祥可爱的疯人院院长——理性的守护神。卡尔·梅育对整部作品的逆转怒不可遏，但又无可奈何。
& & 当时的德国文化中充满着一中表现主义的风潮，表现主义的绘画是领风气之先的艺术门类。绘画上夸张的变形，扭曲的失真，奇幻的色彩，怪异的线条，散发着二十世纪初犯乱、骚动、不安的意味。追求怪诞、扭曲、奇异成为各门类艺术的共同走向。制片人之所以决定把《卡里加里博士》拍成表现主义的作品，是为了和好莱乌的风潮相对立，他们充分发挥了德国在第一次世界大战中，战败过颓唐、凄厉、诡异的思潮风气，努力拍出“风格化”的作品，为此维内请现实主义画家赫尔曼·伐尔姆、华尔特罗里西和华尔特·雷曼作为影片的制景师，美术布景在整部片子的走向上起着举足轻重的作用。乔治·萨杜尔说：“这部名片的真正导演并不是维内，而是三个‘作画飚社’的表现派画家。”罗伯特·维内把所有的因素都综合进这部骗子当中，改头换尾的情节使这部作品成为了一部颇费后人口舌的复杂作品，有人甚至把《卡里加里博士》所表现出的某种情绪和日后的希特勒法西斯政治联系了起来。
& & 影片公映后，著名的反对派有：潘诺夫斯基、诗人艾滋拉·庞德和巴赞。他们抨击《卡里加里博士》变形的画面和怪异的摄影风格是在耍花招，“施小技”，美术因素的强烈参与破坏了电影的本性，由此造成了戏剧舞台效果更是电影艺术的大忌。爱森斯坦说它是“野蛮人的狂欢”，说这部恶劣之作批坏了电影艺术健康的幼年时期。爱森斯坦对这部片子的描述语言是：“无声的歇斯底里、杂色的画布、乱涂乱抹的影片，涂满油彩的面孔和一群恶魔般怪物的矫柔造作的表情动作。”克拉考尔在《从卡里加里博士到希特勒》一书中提出令问惊讶的论断：影片强烈地表现了当时在德国潜伏的集体内在强里——害怕个人自由会导向不可收拾的混乱，从而这正为希特勒以正纲理常为借口的进行独裁统治寻找了精神佐证。克拉考尔说，如果原来卡尔·梅育的剧本描绘的倾向是绝对的权威会有滥用全力的潜在危险，那么维内拍成的作品结尾则有对这种权威进行臣服的暗指，并在某种程度上指示这种臣服将会对大众有益。
& & 维内把这原本单纯的故事扔进了复杂的难辨的套层结构中，多向的指义和其有危险恐怖倾向的画面构成，更使这部作品处于沸反盈天的议论旋涡。但事后看来，正是拍惯了商业片的维内和一心想出奇制胜大败好莱乌，狂赚一笔的制片人一起，把这部片子带进了复杂性的泥淖。对于一部作品来说，肥活污浊的泥淖也许比清澈见底的池塘更适合生存。
& & 维内在影象上把夸张，变形和怪异发挥到了疯狂的地步：囚狂蹲在尖角木桩的顶端；黑影飞一般行走在烟囱林立的屋顶上；梦游者瘦长的身影投映在高墙变形布景的白色圆圈中；黑暗和明亮的极度反差如木刻一般锋利、确凿；扭曲、变形的镜头呈现给人们极度变形的空间关系；卡里加里博士古怪的装束；演员们夸张的表情和古怪的步态......维内以极端的粗俗和商业运做的豪不迟疑把这部片子引领上诸路会聚的峰尖攒顶，从而也使这部片子进入了1958年在比利时布鲁塞尔由26个国家117位电影史家评选的世界十二佳之列。
& & 赞赏此片的保罗·罗沙称它为：电影这一新媒介中表现出创造性思想的一次重要尝试“，”它永远让人感到新鲜“。洛蒂·艾斯纳说，影片的整体设计创造出一种渗透肌肤的焦虑和恐惧的感觉。爱森斯坦等人从顺从电影本性的角度对该片的批评自然道理多多，但这部极端胡搞的作品所呈现出逆发电影本性的品质，也许是通向高峰颠的另一条逼仄曲径，表演上明知如此的张狂带来的间离效果，布景上戏剧行无耻的引用导致突然迸发的诗情，否定与否定套层结构带来的叙事张力、野蛮人的狂欢节中陡然感到的自由快意......维内和制片商把《卡里加里博士》有意无意间推到了某种极致，人们多年后才感受到这一商业运作背后的偶然功绩。爱森斯坦、庞德和巴赞等人正确地对他进行了第一重的否定，而结构复杂的《卡里加里博士》本身已经领先在元素构成上完成了对自己的多重否定。
& & 许多人认为维尔是在卡尔·梅育等人的成果上浪得虚名，原因之一是他在此之后就没有拍出另外一部同样杰出的作品，之后他于1923年又拍摄了《拉斯可尼科夫》和情节曲折惊险的《奥克拉的手》，以及现在主题与基督生平混杂在一起的《基督的一生》。
& & 1930年，维内又继续从事自己商业片的本行，1930年，他拍了《另一个人》。后来他带着《卡里加里博士》带给他的荣誉和阴影移居法国。但关于卡里加里梦魇般的往事始终如影随形，有一天，维内决心在一场浪漫终成现实的巴黎再活另外一种人生，他要摆脱卡尔·梅育那浓重的阴影。他雄心勃勃地筹措资金，再搭布景，他想重新以清水池塘的样子拍摄完全属于自己的《卡里加里博士》。但命运和死神都没有让维内在自己1920年造就的高峰上再培新土。罗伯特·维内1938年逝于法国。
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世界电影大师108将(二)七 巴尔吉:& & 印度电影创始人
& & 我们印象中的印度电影大都是歌舞片,的确如此,即使是今天,印度电影也是世界上少有的仅仅靠着每年几百部的歌舞片,就能个保住巨大的国内市场,而不受美国好莱乌影片的冲击.巴尔吉是印度电影的创始人,由他开创的印度电影一直是人类电影最繁荣的一个部分.印度电影的产量一直在世界排名前几名,曾经有年产接近1000部的电影记录.我么可能都不会想到,今天在印度,仍旧有着最为狂热和忠实的大批电影观众,只是因为语言和文化的原因,没有被世界广泛地注意到.现在,印度电影每年的产量仍旧高达几百部,稳居世界前三位.
& & 印度电影之父巴尔吉出生纳克西城的一个婆罗门书香门第,是印度种姓制度中的贵族.因此有着很好的家庭经济环境和社会地位.因为从小喜欢艺术,所以后来他就读于美术学校和艺术学院学习美术.毕业以后,他曾经从事美术印刷工作.1911年,他看了一部经过染色的影片《基督传》，于是就萌发了建立印度电影工业的雄心。
& & 1912年这一年，他已经42岁，这个时候投身于电影事业，晚不晚呢？他自己显然认为不晚。他导演的第一部影片是《一棵幼苗茁壮成长》。这是一部40分钟的短片，记录了一棵幼苗成长的全过程。这其实是一个巨大的象征，象征着印度电影业和他作为印度电影先驱的历史，也像幼苗一样，开始了自己成长的历史。
& & 这个时候的印度电影都还是一些短片，还没有一个小时以上的长故事片的问世。巴尔吉把从他的第一部短片中的收入，全部投入到影片《哈里什昌德拉国王》中，1913年5月这部印度第一部长故事片上映了。影片沿用了西方神话故事片的手法，拍摄了印度的历史传说，描绘了印度历史的神奇，受到了观众的热烈欢迎。在这部影片的广告中，巴尔吉写到：“自从电影艺术诞生以来，巴尔吉先生的影片公司第一次拍摄了印度第一部故事片，他是印度第一位电影制作人。”
& & 显然，这个评价虽然有写自夸，但是一点也没有说错，《哈里什昌德拉国王》的成功，进一步为他发展自己的电影企业奠定了基础。他先后建立了巴尔吉制片厂和印度斯坦影片公司，经常自己担任影片生产过程总共的所有工作，像制片人、编导、布景、服装设计、摄影、洗印、发行和宣传，是一个电影的全才和通才，一个工作狂。
& & 1914年，他拍摄了故事影片《米人的巴斯马苏尔》和《萨达万和萨维特里》，这两部电影都是取材于印度神话《摩坷婆罗多》，是神话故事片，获得了很高的票房收入。这个时候，英国的制片商邀请他去英国拍摄影片，他也很想去英国学习一些先进的拍摄技术，对这个邀请动心了，但是因为第一次世界大战的爆发，这个计划泡汤了。于是，他继续致力于建立印度本土的电影工业。
& & 1917年，他执导的故事影片《火烧楞迦城》上映了，这部影片照例是一部印度神话故事片，它一下子打破了印度电影的票房记录，人们争相到电影院看这部电影，把电影院的大门都给挤破了，票房收入装满了一辆牛车，由警察护送才运走。
& & 这个时候，找他投资的人越来越多，于是他采取合股的办法，把自己的巴尔吉电影公司变成了印度斯坦电影制片公司，资产规模的印度最大的。1918年，这个公司在巴尔吉的云做下，拍摄了影片《克里希纳大神的诞生》，影片取材与印度的神话传说，描绘克里纳大神的诞生和杀死恶魔的故事，获得了很高的票房利润，还获得了剧院老板颁发的金质奖章。接着，这个公司在巴尔吉的主导下，又拍摄了三部影片，都获得了极高的票房和很好的评价。
& & 巴尔吉这个阶段对印度电影的贡献是无法估量的，只有美国的格里菲斯能够和他媲美，巴尔吉通过电影，对印度的文化传统和电影的艺术形式都作出了展现和尝试，他用电影十分生动地表现了印度的神话和历史传说，印度的狂迷和风情，印度人的心灵和梦想。在资金匮乏和电影工业一片空白的情况下，他取得了惊人的成就。
& & 1917年，他还拍摄了一部《怎样拍摄影片》的短片，详细介绍了拍摄电影和制作电影的各个程序，是一部非常珍贵的电影资料。此外，他还发明了电影叙述方法，为电影表现情感和思想境界都提供了模式，他作为印度电影工业的开创者，一开始就把制片厂变成了一个艺术与工业完美结合的产物，把制片厂变成了一个欢乐大家庭。他一生一共拍摄了20部长故事片，97部短片，后期的代表做有1927年拍摄的影片《修海桥》和1937年拍摄的《恒河落潮》，这些影片的题材已经拓展到了去表现印度的现实社会生活的各个层面。
& & 他的电影探索，为印度电影的内容和艺术表现形式，提供了具体的模式。这种模式在今天的印度电影中仍旧在使用，所以，他被称为是“印度电影之父”，和印度电影的先驱者。1971年，在纪念他诞辰100周年的时候，印度发行了纪念他的邮票，还拍摄了关于他的一部记录片，树立了他的雕像。
八 罗伯特·弗拉哈迪：& & 美国记录片鼻祖（）
& & 罗伯特·弗拉哈迪被称为“记录片之父”，他把手中的摄影机柔华成为人类心灵的延伸物，他怀着谦卑、谨慎的态度关注事物，发现世界，在以声像方式记录人类生活的道路达到了诗与哲的高度。弗拉哈迪说：“所有艺术都是探险行为。所有艺术家的工作最终都在于发现，换句话说，就是把隐藏的真实清晰地呈现出来。”
& & 弗拉哈迪一直从事探险活动，电影只是他命运的偶然产物。他的探险是从位于北极圈的哈德逊湾开始的，六年之中完成了四次探险，其中两次跨越了当时尚未被世人了解的北极大地。他的朋友、同行弗劳恩说：“他将作为加拿大北极圈的探险家流芳百世。”
& & 在弗拉哈迪第三次远征哈德逊湾的时候，他已经40岁。他的上司对他说：“你不妨把最流行的玩意儿——电影摄影机带上。”弗拉哈迪熟悉爱斯基摩人的生活，他从他们那里学到了截然不同的看待事物的方法。爱斯基摩人有惊人的视力，他们对冰雪覆盖的世界里出现的任何微妙的变化都尽收眼底，因为每一丝风吹草动都意味着猎物或生命，他们赖以为生的求生本领转化成了他们感受自然的身体本能。弗拉哈迪决心通过摄影机，去模仿、接近这种出自人类天性的本能。他正是本着对爱斯基摩人生活的贴近和热爱，创造性的发挥着摄影机这种新型工具的可能性。
& & 第一批胶片拿到加拿大的多伦多开始剪辑，掉进片盒的烟头引起了火灾，七万英尺的胶片付之一炬。弗拉哈迪从头再来，他花两年的时间寻找到皮货赞助商，在哈德逊湾，他遇到了脸上带有爱斯基摩人特有微笑的纳努克。纳努克是爱斯基摩的依奇比米特族的好猎手，他成了弗拉哈迪的工作助手和作品主人公。
& & 为了得到冲胶片的水，他们凿开冰冻六英尺的河面，用牧童把浮满冰块的水运回，然后再耐心地融化过滤。当带来的发电机无法工作时，没有足够的照明冲洗底片，他们把所有的窗户遮黑，只留下相当于一格胶片大小的洞口，让北极微弱的阳光射近来，一格一格地暴光。当摄影机掉进了海里时，天性聪颖的爱斯基摩人就帮弗拉哈迪把结构复杂的摄影机拆开修理好。摄影机像一位笨拙而又羞涩的外乡人，一步步走进爱斯基摩人的生活当中。弗拉哈迪把它当成是和纳努克们接触交流的方式之一，毫不先入为主的成见使得弗拉哈迪拍摄的影象显示着毫无伪饰的本真。
& & 弗拉哈迪用厚厚的毯子遮挡光线，做了一个临时电影院，白天拍摄的纳努克抓海象的场面将在这时上演。寒气中刺目的光线，着凉了银幕上的纳努克，从未见过电影的爱斯基摩人在黑暗中发出吼叫：“抓住海象！快去帮帮纳努克！”他们踢开椅子，冲向银幕......只是他们一时还难以理解：为什么这里有一个纳努克，那里却还有另一个纳努克。
& & 这部名为《北方的纳努克》的片子发行并不顺利，几经周折之后，看到它的人们都被其中某种品质所打动。英国导演罗尔·里德说：通常，在看别人的电影时，我可以轻易地说出它所依赖的技术手法，但在弗拉哈迪的电影面前这一套行不通。还有人说：“许多批评家都意识到了弗拉哈迪电影中潜藏着的‘魔法般的东西’，但无一例外的是，没有人说得准那到底意味着什么。”
& & 法国评论家将《北方的纳努克》与古希腊戏剧相提并论，英国人纳翰·格里尔逊在赴美研究社会学科时，与《北方的纳努克》相遇，在1962年当他又看到弗拉哈迪的《摩阿纳》一片时，在美国《太阳报》上首次运用“记录（Documentary)”一词来形容这一类影片，“记录片”的称谓也由此而得。在《北方的纳努克》中，纳努克抓海象的长镜头格外引人注目，20分钟1200英尺的胶片记录了纳努克和海象的格斗过程，从此，这类长镜头被人们认为是记录片完整叙述一件确凿事物的通常手法。而弗拉哈迪的初中并没有如此复杂长远，摄影机作为他探险装备里的一件附加品，只不过是为了使一些北国风光和爱斯基摩人的生活能够稍留痕迹。弗拉哈迪以单纯的目的接近纳努克他们的生活，摄影机记录的是弗拉哈迪和纳努克们之间的亲和关系。当他回忆这段生活时，记录片仍隐在他与纳努克们的关系背后：“3月10日，我们回到了站上，纳努克的行程六百英里、历时十五天的‘最了不起的影片’之举就此宣告结束。但由此我对我那些金不换的朋友——爱斯基摩人的优秀品质有了更深的了解，光凭这点便不虚此行。”
& & 接下来，弗拉哈迪又拍摄了与弗雷泽的《金枝》相提并论的《摩阿纳》，讲述了夏威夷岛淳朴的玻利尼西亚人古老传统中的生活。然后是表现美国西南部印第安人——亚兰人生活的影片《亚兰岛人》，用影象记录了亚兰岛上的居民为了获得一小块土地而付出的巨大劳动和生命代价。亚兰人一旦踏上拖网小船，展开与风暴的战斗，他们立刻变的高大威严起来，如同他们传说中的英雄人物转世重来。同行回忆弗拉哈迪时说：“他不管离对象多远，都能准确地发现摄影机应该捕捉的场面。这时，谁也拦不住他，就是那种连公牛也会胆怯的布满荆棘的荒地，他也会直冲进去。这就是他的性格，他的心里燃烧着火焰。他在决定做一件事之后，二话不说就会豁出命地干下去。”
& & 弗拉哈迪以“不抱成见”的眼光和世界相遇，他把摄影机的力量定位在这样的意义上：改变我们心灵的存在方式，让我们经验自身的宽容。他把手中的摄影机看成是人心与世界相爱的桥梁，而不是阻隔和威压的手段。抛弃成见，心怀虔诚，素心相对，永保好奇，是弗拉哈迪的人生观点。他的旗子这样回忆他：“弗拉哈迪从不拒绝镜头中的任何事物。他天真率直，好奇心盛，仿佛永远活在少年时代，从来不曾长大。在他眼里，一切事物都值得赞叹。他的口头禅是：‘真棒！’”
& & 他通过摄影机和世界产生着敏感的共鸣，在三部共同的以人的生存为主题的作品中，弗拉哈递让观者和他一起凭借这种深刻的共鸣与片中的人们进行着“神秘与参与”。他认为这是一种深切的安慰——知道自己并非孤单一人，而是与所有事物、所有人类同在，而这也是我们和他人共同体验人生解放的时刻。靠着这种深刻嵌入时间之中的共鸣，这些取自时间长河一瓢饮的作品，仿佛获得了不朽的品质，超越流逝的有限，而进入永恒的无限。
& & 艾德蒙·卡彭特说：最近，我在观看了罗贝尔·布烈松的四部影片之后顿觉豁然开朗。我深知布烈松和弗拉哈递之间存在的巨大差异。但是，忽略这些差异，两人极为相象。他们都以为自己固执的方法开拓独特的影象之路，都热衷于探索人类灵魂和精神生活。布烈松是从观察任务的内心开始逐渐过度到创造外部世界，弗拉哈迪是从观察外界起步去发现人们的内心世界，这种方法跟爱斯基摩人的行为方式相同。
& & 弗拉哈迪于日逝世于弗蒙特州邓纳死顿。他一生遵循的信条是：“谦虚对待研究对象，信赖自己手中的工具。”
九 路易斯·梅耶：& & 奥斯卡奖之父
& & 好莱乌曾经流行过路易斯·梅耶所说过的一句话：“我愿双膝跪地，亲吻有才能的人走过的地面。”
& & 路易斯·梅耶，一个电影业电影巨头，他威风凛凛地执掌好莱乌最大的制片公司米高梅公司的业务长达30多年。20世纪三四十年代，是米高梅公司的鼎盛时期，由米高梅公司推出的电影明星成群结队，而梅耶可以说是好莱乌最有权势的制片人之一。
& & 而且，不光如此，今天每年颁发的影响巨大的奥斯卡奖的美国电影艺术与科学学院，就是矮子1927年，由路易斯·梅耶的倡议成立的。所以他还是奥斯卡奖之父。这是梅耶为美国和人类电影史作出的贡献。
& & 梅耶是一个犹太人，他出生于俄国的一个犹太人家庭，由于在俄国当时犹太人受到迫害，所以他很小的时候，就被父母带着来到了美国。其实连他的母亲都说不清楚他到底是出生在哪一年，她只是回忆说，他是出生在俄国大饥荒的那一年，而1882年和1885年都是俄国大饥荒的年份，后来，梅耶就选择了日作为他的生日，之所以选择美国国庆日这一天，是因为美国给了他新生。
& & 他记得小的时候，他家主要靠收购废旧金属生活，而这个时候梅耶就已经表现出了他的出色的经商才能，很会在收购废品的时候讨价还价，是父亲的好帮手，也向父亲学了很多经商之道。10岁的时候，老师问他，假如有一千美圆，你会拿她来干什么？他没有由于地说：拿它来做生意。
& & 14岁的时候，他在自家门口就挂出了“梅耶父子公司”的招牌，他还劝说父亲从事打捞沉船的行当，很快，几年以后，他们的公司就成了美国东部比较大的一家打捞公司了。后来梅耶结婚生子，搬到了东部的波士顿生活。1907年他经商失败，一个偶然的机会，他发现波士顿附近有一家剧院招租，于是他就借债开始经营剧院，并且到处演讲，宣传自己的剧院和推广观看电影的理念，，第一年就赢利了2万5千美圆。后来他又盖了一家豪华剧院，借债买下了格里菲斯导演的电影《一个国家的诞生》的东部独家发行权，赚了一百万美圆。这是他赚到的最大的一笔钱。于是，他后来渐渐由电影的发行行业，转到了电影的制作业，1924年，成为了好莱乌5大电影制作公司的行政首脑。
& & 此后，在梅耶的领导下，米高梅公司进入了黄金时期。在30年代，米高梅公司每年要生产影片四五十部，这个时期拍摄的影片主要有《块肉余生》、《叛舰喋血记》、《茶花女》、《忠勇之家》等等杰作，但是其他的大部分影片，都是迎合当时的观众口味的，比如都有大团圆结局的平庸制作。不过，这个时期也是米高梅公司推出的电影明星星光熠熠的时期，像盖博、嘉宝、屈塞、泰勒、克劳馥等大明星，都是当时他们的台柱子。
& & 而梅耶和电影明星的关系是十分微妙的，电影明星都很害怕他。他曾经对一个明星怒吼：“我造就了你，我也可以毁了你！”当他出现在电影制片厂的时候，人么都十分害怕。大家把他看作是父亲般的任务，并且为他绝佳的演说才能所折服。他们认为他当演员同样是优秀的，虽然他从来也没有尝试一下。也许，他从内心深处认为演员只是牵线木偶，只是实现导演的工具？那就不得而知了。
& & 虽然梅耶是一个电影帝国的君王，人们十分敬畏他，但是他也有亲切的一面，在制片厂，他可以说出他见到的每一个人的名字。
& & 1926年底，美国电影业的工人用国的电影行业工会，和电影厂的老板们进行酬金谈判，弄的梅耶焦头烂额。于是他萌发了成立一个电影制作人的行业工会。同时需要成立一个对电影本身进行评价的机构。在一个当时好莱乌电影界最有权势的人在场的宴会上，他发表了动人的演说，打动了这些人，大家纷纷签署了一份文件，梅耶也被选为美国电影艺术与科学学院的规划委员会主席。日，这个后来对美国和人类的电影事业影响深远的学院，人类第一个电影学术机构诞生了。
& & 一年多以后的日，筹备了一年多的电影艺术与科学学院的电影奖颁发了。在1931年颁发电影奖的时候，学院的图书管理员玛格丽特看到了那个小金人，脱口而出：“它真像我的叔叔奥斯卡！”于是后来，这个奖就渐渐地被叫做奥斯卡电影奖了，这就是奥斯卡电影奖的由来。
& & 1951年，梅耶在美国新兴的电视行业对电影的挑战面前拿不出着数来，被迫辞去了米高梅公司总裁的职务，1957年去世。
& & 1981年米高梅公司与联艺公司合并，仍旧是今天好莱乌的七个最大的制片公司之一。2005年，以索尼公司为首的国际财团以近５０亿美元的价格将米高梅买下，从此，好莱坞八大公司中的最后一个独立制片公司消失了。如今，米高梅与哥伦比亚公司同属索尼旗下，开始了新的征程。然而，它拥有的１７０座奥斯卡金像（数量为好莱坞八大制片公司之首）却仍在诉说着它曾经的辉煌。
十 弗里德里希·茂瑙：& & 德国表现主义电影大师
& && && & 茂瑙作为德国电影表现主义的重要代表人物，以《诺斯费拉图》等片子，为后人开辟了新异的题材领域和创作手法，诺斯费拉杜，这个具有无穷解释意义的“吸血鬼”形象，成为后世无数惊险题材作品的基本原型，而茂瑙把吸血鬼与爱情故事并陈讲述的方法，使人们对“爱”和“吸血鬼”这两个极端事物的关系找到了影象的依据。毛乃通过对幸福和生命极端相反的诺斯费拉图的形象塑造，以否定的刀锋为我们划出了“爱和生命的大字”。
& & 和茂瑙同一时期的弗里茨·郎格，也用“爱”、“死神”等关键词在描述着当时德国社会的慌乱，疯狂气氛，对爱的渴望，对死亡恐惧的渲染，对鬼异事物的描述，都在以负片的形式，讲述这确凿的现实。弗里茨·郎格和茂瑙的相互映衬，构成德国表现主义电影两面猎猎迎风的黑暗之旗。
& & 茂瑙原名弗里德里希·威廉·布隆。日生于德国的比勒尔德，曾在海德堡学习哲学、音乐和艺术史。是马克思·莱因哈特表演学校的学员，后来开始拍摄一些宣传影片。1919年的《魔术》是他执导商业片的开始，1920年的《雅努斯的头颅》和《驼背人的舞女》及《福格勒德城堡》之后，他于1921年拍出了成名之作《诺斯费拉图》。这正是茂瑙的第十部影片。
& & 《诺斯费拉图》的故事讲述的是新婚夫妇托马斯和爱伦“吸血鬼”诺斯费拉图之间的故事。托马斯因公务之需，要前往一处闲置多年的老旧房屋，直觉惊人的爱伦感觉到此行凶多吉少，但她无力阻止去意已决的丈夫。在一连串的怪异事件之后，他终于见到了化身为奥洛克伯爵的吸血鬼。当托马斯用餐被刀具刺破手指时，伯爵就情不自禁地吮吸托马斯的血液。夜里现身为诺斯费拉图的伯爵就潜入托马斯房中吸吮他的血，远在家乡的爱伦突然在梦中惊醒，他听到了“死亡鸟”的叫声。第二天早上，托马斯发现脖子上有几个红红的血印，而诺斯费拉图从托马斯随身携带的相片上又爱上了托马斯的妻子爱伦。托马斯和诺斯费拉图通过不同的道路赶往美丽的爱伦那里，一个为爱而保护，一个为爱而吸血。诺斯费拉图所到之处，瘟疫肆虐，但只有“一位春节而又无所畏惧的女士挺身而出，将吸血鬼拖到第一缕晨光中，那么它将在阳光中化为乌有”。美丽勇敢的决心自我牺牲，先于托马斯到来的诺斯费拉图深情地爱着爱伦，但它示爱的方式就是去吸吮爱伦那白皙动人的脖子。爱伦与吸血鬼设法周旋，诺斯费拉图在第一绿阳光照耀下化为灰烬，而爱伦也为此付出了年轻的生命，爱伦用生命换得了全城人的新生。
& & 1921年前后的德国在战败的颓唐中暗暗发疯，经济萧条，通货膨胀，普通人失业加剧，权势者趁火打劫。这是德国表现主义的电影与&室内剧电影&,都如同一面巨大的哈哈镜,从中照映出德国变形的现实世界,惊恐与不安的情绪在现世中弥漫,混乱中大发横财的强人形象在生活中多有所见.吸血鬼诺斯费拉图一下子使潜隐的某种情绪精神形象地出现,诺斯费拉图身行枯槁,面容瘦削,脸色苍白,眼球突出,目光呆滞,神色阴沉的典型形象一下子激活了现实中潜伏的噩梦,人们在幻想、神秘、惊恐与悲剧性的《诺斯费拉图》中看到了自己可怕的生活场景.
& & 更为难能可贵的是,茂瑙在片中还书写了托马斯和爱伦的纯美爱情,爱伦纯洁、勇敢、正直、清白的自我牺牲形象,和诺斯费拉图阴暗、贪婪、邪恶、噬血的形象恰成对照,从而在片中形成了震撼人心的两极力量.这种两极对立的方法,内核里有爱情悲剧和艺术组合的深层秘密.所以茂瑙的《诺斯费拉图》远远超出了作品的具体所指，以极端对立达到了更深更远的苍茫之境。后世的艺术家们不断从中汲取汁液，敷衍故事，在冲突张力激烈的故事中盛放每一个时代的爱恨故事。新近美英又合拍了名为《吸血鬼的阴影》（又译《我和僵尸有个约会》）的剧情片子，影片中出现了导演茂瑙的形象。说导演茂瑙当年为了拍好《诺斯费拉图》，竟找来一个真僵尸来演戏，为了演戏逼真，茂瑙一再妥协，让僵尸吃掉摄影师又吃掉女影星......
& & 在茂瑙拍摄《诺斯费拉图》的当点，就有人怀疑如此逼真的电影是“半记录”式拍成的，而扮演诺斯费拉图的演员马克思·施莱克也被人认为可能是真的僵尸。“秃头尖脑，一双蝙蝠一样的大耳朵，老鼠一样尖利的牙齿，兽爪一样的双手......”茂瑙当年的电影影响了难以估量的范围，马克思·施莱克的怪异形象也成了吸血鬼不断模仿和变形的蓝本。
& & 在费里茨·郎格1921年拍摄的《疲倦的死神里，也为人们塑造了一个倦怠死神和一对忠贞的恋人。他们不畏死亡，勇敢相爱，牺牲自己，共赴黄泉。死神把这对幸福相爱的恋人合葬在四季长青的山冈上，《所罗门》书上“爱情比死神更强大”的箴言是他们勇敢前行的拄杖。
& & 另外，郎格的《大都会》以高超的预知力，为上个世纪的人们描述了21世纪的可怕景象：机器大生产带来的异化、克隆人带来的无法解决的矛盾，都使我们今人看带仍然震惊赞叹。
& & 郎格的《M》以一个杀人者为中心形象，同样以表现主义的手法反映了德国在社会矛盾尖锐的时刻，德国民众愤怒和绝望的精神状态。片子艺术化的讲述手法使该部影片成为“电影学研究”的必修课。
& & 在《疲倦的死神》中，弗里茨·郎格充分运用了光的造型能力，使无声片恰当地获得了“胜似有声”的艺术效果。威压的仰射光、阴森的暗光、摇曳如脆弱生命的烛光，都使画面朝着更抽象、更怪异的方向发展。正像德国电影史家艾斯纳指出的：“光为表现主义电影赋予了灵魂”。布努艾尔说：“郎格的《疲倦的死神》打开了我的眼界，使我看到了电影诗一样的表达力......”
& & 茂瑙在1924年拍摄的《最卑贱的人》是德国室内剧电影时代的代表作，作品通过老门童对于“制服”的崇拜心理，揭示了人在某种社会心理压力之下的生存状态。摄影机的灵活运动构成该片的最大特色，有人称，茂瑙在这部影片中真正解放了“被缚多年的摄影机。”
& & 在1925年的《伪君子》和1926年的《浮士德》之后，茂瑙前往好莱乌拍片，他把自己的德国风格和好莱乌风格结合起来，1927年拍出了《日出》，影片中流畅的长镜头成为茂瑙作品中显著的个人徽记。
& & 随后，他又导演了《四个恶魔》和《每日的粮食》，《每日的粮食》中外景的拍摄达到了相当分量，是所谓“半记录片”的形式。1928年，茂瑙还与弗拉哈迪成立了一家制片公司，1931年茂瑙完成了作品《禁忌》的拍摄工作，片中洋溢着美丽的异国风光和美好的轻扬的幻想。
& & 1931年，茂瑙在《禁忌》的首映前死于车祸。
十一 卓别林:& & 批判现实主义喜剧电影的巨匠()
& && && &我们似乎太熟悉卓别林了,他扮演的流浪汉、大独裁这以及被工业社会弄疯了的产业工人形象,已经成为了我们关于银幕形象最为深刻的记忆.我们爱他，因为他已经成为不朽的艺术家。一般人都以为卓别林是美国人，其实，卓别林算是英国电影导演、演员、制片人、剧作家和作曲家。他出生于英国伦敦的一个演艺世家，父母亲都是同一个游艺场的歌唱演员，所以卓别林的表演天赋，显然受到了家庭熏陶的影响。
& & 5岁的时候，在父母的安排下，他就登上了舞台代替母亲献艺，演唱歌曲，获得了好评。6岁的时候他父亲就去世了，母亲紧接着就失业了，没有能力管孩子们了，这场家庭变故立即使他陷入了困境，他一度流浪街头，曾经被送进了孤儿院。他和自己的哥哥在整个少年时代里，都是在一些游艺场和巡回剧团打杂为生的，饱尝了生活的艰辛，这是他后来在他的电影里扮演各种令人同情的角色的生活来源和基础，也是他同情弱者和鞭挞强势阶层的原因。
& & 1913年，他在美国演出的时候，和一家电影公司签定了演出的合同，开始在美国发展，从此也开始了自己长达六十多年的电影生涯。一开始上手，他就十分投入，同时进行剧本的创作和导演工作，每个星期都自编自导，拍摄一个喜剧短片，从喜剧开始了自己最早的电影尝试。1914年，他塑造了一个头戴礼帽，手拿文明棍的流浪汉夏尔洛的形象，从此，使这个形象成为了近一百年来电影上最令人难忘的形象之一。这个形象先出现在他编导的影片《阵雨之间》中。1915年，他推出了影片《流浪汉》，一下子使夏尔骆这个流浪汉的形象深入人心，也成为了卓别林独树一帜的喜剧电影的代表性形象。这一年里，他主演和编导了15部影片，从此身价倍增。流浪汉夏尔洛的诞生使得制片人和大批观众，都对他的喜剧天才十分肯定，并且对他有着强烈的期待。他信心十足了。
& & 但是，长期给电影厂老板打工，眼看着影片赚来的钱大部分都流进了老板的腰包，他就想着自己担任制片人，自己掌握自己的收益与命运。于是，1919年，他和格里菲斯等一些老朋友，共同创办了联艺公司，算是有了自己掌握的独立制片公司。次年，他拍摄了影片《流浪汉与小孩》，再次轰动了世界。这是不衣故事长片，影片令人发笑，也催人泪下。因为卓别林自己的第一个孩子生下来几天就死了，所以这几乎是他的自传式电影。影片描绘了在伦敦一个流浪汉和一个孤儿的故事，讽刺了人性中的卑劣的东西，赞美了人性中光亮的部分，他把自己对于夭折的孩子的思念和亲情，全部倾注到了这部影片里，获得了巨大成功。
& & 从此他开始进入自己电影生涯中的辉煌时期。1925年，他主演的影片《淘金记》上演了，这又是一部讽刺现实的影片，也是他的电影生涯中一部十分重要的作品，在这部影片当中，他讽刺了美国梦的破灭。1927年，电影《马戏团》上映，这部描绘马戏团令人快乐和辛酸的生活的喜剧影片照样获得了成功，次年，第一届奥斯卡奖把特别荣誉奖奖给了他。
& & 1931年他推出了影片《城市之光》，这个时候，电影正在告别默片时代，但是卓别林似乎对有声片不太适应，因此这部影片仍旧是一部默片，却再次获得了成功。但是，好戏还在后头。1936年，他最优秀的影片《摩登时代》上映了，这部影片现在是电影宝库中的喜剧经典，也是卓别林最著名的影片，这部影片直到今天还被人们以影碟和依赖电影频道的方法观看着，是观众最多的电影之一。这部片子描绘了在工业时代里，资本主义国家的产业工人那已经被异化了的非人的生活，批判了所谓的资本主义梦的虚无缥缈和对人性的压榨。这是对垄断资本主义制度下的人的生活进行了深刻透视和分析的电影，既是现实主义的，又是一部不折不扣的喜剧，做到了雅俗共赏的。但是这部影片在当时也遭到了美国政府的非难，他们认为这部影片对美国的文明起到了破坏作用，有左派思想的倾向，这种倾向对于美国来讲，是十分危险的。他们企图禁止这部影片上映，但是最终没有成功，因为毕竟美国的制度中也有相互制约和协调的法制基础，使得艺术家在表达思想的时候，有很大的自由。
& & 1940年，他拍摄了两年多的影片《大独裁者》上映了，这部影片因为影射了纳粹首领希特勒，在当时引起了巨大的轰动。这部电影拍摄了一半的时候，美国电影审查机关来电话，告诉他这部影片很难通过，同时，在美国国内的一写纳粹分子，也对卓别林进行了干扰。但是不久。希特勒发动了第二次世界大战席卷了整个欧洲，美国政府意识到希特勒是美国最大的威胁，于是在1940年，为了鼓舞美国人的士气，影片最终上映了。但是这部影片并没有给卓别林带来什么好运气，它一直受到美国一些媒体的批评，因为影片强烈的反法西斯意识和同情俄国革命的态度使一些人不许快。美国联邦调查局也把他列入黑名单。当珍珠港事件爆发后，这部影片才真正地为美国民众所喜欢，并且认识到了它的价值。1943年，他和美国著名剧作家奥尼尔的女儿缔结了他的第四次婚姻，这次婚姻十分的美满，一直持续到他去世。
& & 1947年，他主演了影片《凡尔杜先生》，这部影片和次前拍摄的其他影片，标志着他成为了一个伟大的批判现实主义电影大师和一个反法西斯主义的民主战士。
& & 但是，即使是他对美国的对手纳粹希特勒进行批判，他的左派思想也惹怒了美国当局，1952年，正是美国麦卡锡主义盛行的时候，当他前去英国参加影片《舞台生涯》的首映式，还在大西洋的轮船上的时候，就传来了美国政府已经禁止他在美国上岸的消息。
& & 他十分悲凉，觉得美国，一个自诩为最民主和开放的国家，竟然容不下他这样一个艺术家，于是他就移居到了瑞士，在瑞士这个和平和中立的国家，他也没有停止工作，于1957年拍摄了讽刺美国麦卡锡主义的影片《一个国王在纽约》。1962年，他接受了牛津大学授予他的荣誉学位。1967年，他拍摄了自己的最后一部影片《香港女伯爵》，1972年因为“在本世纪对电影所做的不可估量的贡献”而再次获得了奥斯卡荣誉奖，这才使他重返好莱乌，重新踏上了美国的土地。但是，他仍旧有些耿耿于怀，没有打算在美国留下来。
& & 1975年，英国女王授予他爵士封号，甚至对他说：“你所有的电影我全看了，它们太好了。”这个评价使卓别林十分激动。两年以后，他在瑞士自己的家中去世。而随着时间的推移，卓别林已经成为公认的电影大师。
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世界电影大师108将(三)十二 弗里茨·郎格：& & 德国默片时代电影的先驱（）
& & 弗里茨·郎格是德国默片时代的电影大师，也是德国一百年来最重要的电影导演之一。他出生与维也纳，死于洛衫矶。在他少年时代，曾经立志要当画家，在维也纳和慕尼黑上大学期间，他学习的就是建筑和美术，所以，我猜想他对场景的构图非常在行，对布景和取景也积累了早期的美术经验。
& & 很快，欧洲燃起了战火：第一次世界大战爆发了，作为年轻人，他不得不应征入伍，参加了战争，并且在战争中负伤，退役后无法继续从事自己喜爱的建筑工作，出于谋生的需要，他进入了一家制片公司工作，写起了剧本，结果这些剧本都被当时的德国几个导演拍成了电影，这使他有了信心，产生了对知道电影的浓厚兴趣。从此，他决定完全投身与电影业了。
& & 1919年，他自编自导了他的第一部影片《混血儿》，这是一部爱情片，但是以两个恋人的悲剧结尾。同年他导演了影片《切腹》，这仍旧是爱情题材的作品，算是他早期的牛刀小试。
& & 1920年，他推出了影片《蜘蛛》上下集，这部心理惊悚片获得了很大的成功。这部电影的编剧是他的妻子冯·哈茨，他们两个是一对绝佳的合作伙伴，伺候一直到1933年，他的影片的编剧，都是他的妻子，他们简直是开了一个夫妻档。不过，他丢掉了一个很好的机会：因为当时要拍摄《蜘蛛》的下集，所以他把后来成为电影史上不朽杰作的《卡里加里博士》的拍摄工作，让给了另外一个德国表现主义电影巨匠罗伯特·维内执导，后者把这部影片导演得十分成功。
& & 当时德国是表现主义的天下，因为第一次世界大战以后，欧洲也别是德国，弥漫着反思人类行为的气氛，在这个思潮下，涌现了一大批表现主义作家、导演和艺术家，而弗里茨·郎格也是其中代表之一。表现主义的特征是用象征和隐喻的手法,对人性中负责和阴暗的东西进行变形揭示,对人类社会比较悲观,这和第一次世界大战带给欧洲人的溃灭和挫折有关.
& & 1921年,他执导了表现主义电影杰作《疲倦的死神》，获得了成功。影片讲述了一个少女为了让自己死去的恋人复活，和死神打交道的故事，结果即使是少女愿意以自己的生命来换回恋人的复活，她最后也没有成功。这样的影片，它的故事清洁就充满了表现主义的思想，他运用了象征主义的手法，在灯光和布景上都有匠心，是他的电影艺术的一次突破，在德国电影史上占有一席之地。次年，他执导了影片《赌徒马布斯博士》，这部电影的表现主义要弱一些，是一部现实主义作品，描绘了德国在第一次世界大战后的现实，表现了他的现实政治态度和关心社会的姿态。
& & 1924年他拍摄了影片《尼伯龙根之歌》，这是德国的一部民间史诗，是德国民族的英雄传奇，由于是一部历史题材的影片，比较好把握，他的拍摄十分成功，获得了欧洲观众的广泛好评。于是趁着一股劲头，他拍摄了当时耗资巨大的影片《大都会》。这是他一生中拍摄的最重要的影片，也是德国电影史上最重要的影片之一，这部影片带有表现主义和科幻色彩，通过对一个虚构的大都会的建筑的描绘，分析了未来的技术社会，而这个社会将导致人类走向毁灭。影片独特，风格怪异犀利，无可争议地使他确立了自己在德国电影史上牢固的地位。
& & 1928年，他自己成立了一家制片公司，拍摄了电影《间影》和《月亮中的女人》。这个时候，有声电影开始出现了。1931年，他拍摄了自己的第一部有声电影《M》，这是一部恐怖片，讲述了一个精神变态的人残害儿童的故事，他在影片中运用了声音和画面结合的手法，把气氛渲染得十分成功。这部电影给他带来的声誉，甚至超过了影片《大都会》，现在，有很多的电影研究专家，对他这部影片的评价仍旧相当高，很多电影导演也十分推崇这部电影，他们从中间汲取着营养。现在的一些恐怖片，仍旧有着他那部影片张扬过的元素。
& & 时间到了1932年，这个时候正是纳粹在德国兴起的时候，他拍摄了影片《马部斯博士的遗嘱》，因为惹怒了纳粹。在1933年被禁止上演。从事电影艺术创作忽然变得艰难和危险了，他遭到了警告和威胁。这样的情况下，一切有良知的艺术家，在德国的处境十分困难了，而且，他听到了传说德国纳粹要委任他担任纳粹管理电影的官员，他吓坏了，他知道自己肯定不愿意从命，但是因此会丢掉姓名，于是在1933年，他和妻子一起被迫离开了德国，来到法国。
& & 在法国流亡期间，他还继续拍摄电影，但是拍摄的唯一一部电影没有突破。后来，躲过了第二次世界大战的浩劫，他再也没有雄心拍电影了，回到德国之后几乎隐居了起来，1976年病逝了。但是，作为德国早期代表人物，他的影响却十分深远。
十三 刘别谦:& & 喜剧片的一代宗师
& & 我喜欢美国早期的几个电影导演大师,他们的片子在今天看来,仍旧非常的丰富和复杂,是影象诞生之后最早定型的时期.
& & 这里面第一个人就是刘别谦.刘别谦是活跃在20世纪二三十年代的大师级的电影导演,他给我们留下了一批电影杰作.1999年,已经创建十年的美国国会图书馆电影收藏处宣布,第四次收藏刘别谦的作品,这些影片是《天堂里的烦恼》、《妮诺契卡》、《生或者死》、《小店鸳鸯》。美国国会图书馆收藏处的收藏宗旨是”在文化、历史或美学上有重要意义的影片。可见刘别谦虽然已经去世半个世纪了，他的重要性仍旧是不容忽视的。刘别谦一生一共拍摄了近50部影片，他曾经说：“我唯一迷恋的就是我从事的那门子工作——拍电影。”
& & 他是一个德国裔美国人，1892出生于德国柏林，一开始的时候他是一个话剧演员，尝试了在舞台上的各种表演。22岁的时候，觉得无论戏剧还是电影，导演都是真正的作者，于是他就开始担任电影导演了。
& & 他可以说是有声电影喜剧片的开山大师。在电影从无声片向有声片过度的时期，卓别林也是一个特别突出的代表。但是卓别林似乎更代表无声电影时代的喜剧片。这个时候的喜剧片由于没有声音，所以演员的表演都动作夸张，表情离奇，只有这样才能够让观众知道剧情的可笑之处。所以，卓别林更代表无声电影的喜剧片风格。
& & 电影的声音技术问世以后，喜剧片的风格就相应地有一些改变，这一点突出地表现在刘别谦的电影当中。这个时候，夸张的动作和表情已经让位于含蓄的细节，而由于可以听到台词对白，对语言的幽默，变得十分重要，这两个变化在刘别谦的影片里都有体现，刘别谦开创了一钟机智幽默但是又十分优雅含蓄的喜剧片风格，从而给喜剧片一种崭新的面貌。
& & 一些影评家对刘别谦当时的喜剧片风格进行了归纳，提出了一种“刘别谦风格”，这种“刘别谦风格”，是指“他的影片中有着十分微妙的幽默和可见的智慧，他把各种奇思妙想都在简短的镜头当中呈现，并直接地表现影片主人公的性格特征，来呈现影片的真正含义。”
& & 刘别谦早年在德国拍摄电影，他也是早期德国表现主义电影思潮的见证人，但是他与他们擦肩而过，没有直接地变成表现主义电影的一员干将，可能是他喜欢现实主义的表现手法有关系。当时他就已经开始了喜剧片的探索，拍摄了和多历史题材的喜剧片。像《牡蛎公主》和《杜巴瑞夫人》都是这一时期的影片。在这些以欧洲历史题材拍摄的影片当中，他并没有以历史的真实来构架电影，而是加了很多虚构的噱头和细节，从而使这样的电影更加好看，也更加具有商业性。因为他也受到了批评，有论者认为他拍摄的电影根本就不算是历史题材的影片。但是这些电影在美国的时常2反映热烈。
& & 不过，他的却是开了很多历史的玩笑，比如在《杜巴瑞夫人》的清洁中，后来被押上断头台的路易十六和他的情妇让娜，只是宫廷内部争风吃醋的结果，所以刘别谦的这些影片完全变成了戏说历史，因此在观众当中和电影，也有很大的争议。
& & 1922年刘别谦来到了美国，这个时候的好莱乌正是大发展的时期，而刘别谦仿佛打开了视野，他拍摄的影片题材更加广泛了，伺候的二十几年时间里，他以社会讽刺喜剧、轻松喜剧和歌舞喜剧这些电影品种，极大地丰富了喜剧片的内容和表现形式，他在好莱乌的时期是他的电影佳作备出的时期，他也名声大振，在当时的人们眼中，他是完全和卓别林以及美国电影之夫格里伪斯齐名的。
& & 刘别谦对电影史的另外的一个贡献，是在拍摄十采用声画分离的技术，多年以后丹麦导演拉斯·冯·提尔再次强调了同期录音，而他们的重大意义却不相同。刘别谦当时声画分离的技术来拍摄喜剧片，尤其是拍摄歌舞片特别适合，同时也使演员的表演更加轻松自然，这个方法自他创生以后一直使用了几十年。
& & 刘别谦在1939年以《妮诺契卡》获得了奥斯卡最佳导演奖，这是一部描绘苏联特工在巴黎的花花世界迷失的故事。1943年他因为执导《天长地久》再次获得奥斯卡最佳导演奖，这是一部探讨道德善恶的归宿的影片。1947年，他又获得了奥斯卡特别奖，这个奖表彰了他对电影已经做出的杰出贡献。
& & 假如一个艺术家在自己的圈子里被评价很高的话，那么他就真的很接触了，这是一个一般的定律。刘别谦的同时代的大师级导演朋友，对他的评价都很高，比如卓别林说“他能以一种高雅的方式来表达性的优美和幽默，我尚未见过其他人做到这一点。”希区柯克说他是“一个纯粹为电影而生的人”。奥逊·威尔斯说：“刘别谦是一个巨人，他的才能和独创性令人惊叹”。确实，在很多人眼中，即使时间已经过去很多年，刘别谦仍旧是一代逝去的宗师。
十四 让·雷诺阿：& & 法国诗意现实主义大师
& & 让·雷诺阿是狂乱的资本社会里的天真汉。他以孩童的目光发现了人们心照不宣的“游戏规则”，但强大的压力使得他又闭上了大张的嘴巴。游戏仍要继续，规则不容打破。
& & 让·雷诺阿的印象派画家奥古斯都·雷诺阿的次子，日生与巴黎。他的童年深受表姨的影响，她带他接触到了木偶戏和通俗喜剧。1912年中学毕业，1912年服兵役，任龙骑士中士。第一次世界大战爆发时升任准尉，不久右腿负伤复员。
& & 后来他曾学习过陶瓷工艺美术，和其父一样，有在光滑澄亮的瓷器上作画的体验，明丽的色彩感受在他的电影作品中多有呈现。1924年，他为人创作了剧本《凄凉的生活》，童年知道了第一部影片《水的女儿》，写一个水手的女儿，在父亲亡故之后的种种不幸，雷诺阿继承父亲印象派的光影原则，屏弃了当时剧情片摄影棚内拍摄为主的特点，几乎全部都在外景地拍摄。大自然中的阳光还水在镜头前形成绚目光彩，这是一部活动起来的“印象画派”的作品。女主人公梦境镜头采用快速摄影和多次暴光的方法，技法上的各种尝试使这部片子当时被视为先锋实验之作。
& & 雷诺阿在其作品中发现了下层劳动人民的动人之处，他抛开父亲关注的“游艇”、“舞会”和“客厅里的慵懒场景”，把摄影机对准贫苦人的一生。1926年根据左拉的《娜娜》改变的同名作品，糅合着文学的自然主义和绘画的印象主义风格。这部被认为是他默片时代的代表作。
& & 1928年，雷诺阿执导了《卖火柴的小女孩》，他把父亲笔下泛者容貌的锦衣华服，变成了自己镜头前的破衣烂衫。他以自己的第一部有声片《堕胎》和《母狗》进一步揭示了巴黎底层人生活的普遍贫困，难以掩饰的颓废意味浮现了出来。
& & 雷诺阿早期的影片显示着他一丝不苟的创作态度，他慢工出细活的创作周期令许多制片人敬而远之。他把从父亲那里继承过来的资本投入到创办的电影公司，但巨大的资本投入难以与微薄的票房收入相抵。他第一次创办的电影公司最终倒闭。30年代他再次创办自己的电影企业——“法国新版影业公司”，结果又被高成本的电影《游戏规则》拖垮。
& & 雷诺阿把家族对于艺术的疯狂热情从画布移到了胶片。他对新生的电影艺术投入了极大的热忱，他把电影的发明和印刷术的发明相提并论，认为“电影是一种新的印刷方法，它是人们借助知识彻底改造世界的一种手段。路易·卢米埃尔是又一个古登堡，他的发明所引起的翻天覆地的影响，同用书籍传播思想的效果不相上下”。雷诺阿说：“电影是我们时代的王者。”
& & 1935年法国人民阵线运动高涨，雷诺阿把重点进一步转移到社会底层的无产阶级身上，1935年拍摄的《朗吉先生的罪名》，被认为是一部同情和鼓吹无产阶级革命的影片。但现实的压力又使他由激进、愤怒转而悲观、颓丧。雷诺阿以艺术家的敏感和脆弱迎接着各方面的压力和责难，1937年，他拍出了《大幻灭》，站在人道主义的立场描写了第一次世界大战对德军收容法国战俘的故事。影片表现出强烈的反军国主义和反资产阶级的情绪，但一切矛盾的最终归宿却是博爱和调和。1938年的《马赛曲》从人本位出发，再现了法国大革命的一幕，主题与《大幻灭》相互应和，《大幻灭》是一部人道主义的壮丽之歌，这部影片入闱当年奥斯卡评奖。结果大败而过，崃诺阿说：“好莱乌之所以对好电影关上大门，是因为他们讨厌天才。”
& & 1938年，根据左拉的小说改编的《衣冠禽兽》带有更加浓重的悲观色彩。1939年耗资巨大的《游戏规则》，是雷诺阿留给世界电影史的不朽之作。飞行员安德烈·茹里欧创造了一项飞越大西洋的飞行记录，他带着欣喜和惆怅去找自己心幕的侯爵夫人克里斯汀娜。茹里欧的好朋友奥克达夫看出朋友的心事，设法让侯爵邀请茹里欧来侯爵的庄园做客，侯爵的宴会堂皇地举行，然而端庄的礼服掩饰不住七情六欲在内心惹起的骚动，偷情、私奔、妒杀、诱拐......一声枪响之后，茹里欧倒在了荒唐的枪口之下。谁都知道这中间的曲折复杂和纠葛缠绕，但大家都接受了侯爵对于诸多事情一言以蔽之的伪饰说发，一切又恢复了平静。
& & 雷诺阿说，他“想拍一部喜剧影片，而又要讲一段悲惨的故事”。结果就拍出了这样一部有多重含义的影片。影片描述给观众一个异化的社会：谎言是人际关系的基础，欺骗是事物运行的方式，“保住面子”是所有人心照不宣的游戏规则，茹里欧的悲剧在于他的清醒和真诚，他认识到这游戏规则的荒唐和虚伪，但他仍心存希望，念有所信。他天真地以为只要把心爱的人带出那规则之外，就可以有世外远遁的人的桃源净土。雷诺阿用飞行员这样隐喻身份来暗示茹里欧的精神状态，用他最终的惨败来说明人世规则无可逃遁。雷诺阿借茹里欧朋友奥克达夫的口说到：“我们生活在一个人人都撒谎的时代；制药厂的广告、政府的公告，广播、电影、报刊全都谎话连篇。像咱们这样的小人物，岂能不跟着撒谎呢？”
& & 茹里欧和奥克达夫是作者借欲表达的思想的两个方面，奥克达夫以软弱和退让维护了社会的面子、保持了“游戏的规则”，因而得意装笑卖傻地苟活，而茹里欧生生硬碰，莽撞前行，结果被封闭坚硬的社会所吞噬。影片如《皇帝的新装》里那个天真孩童一样，指出了赤裸事实的丑态，引起了人们的恐慌和愤怒，影片被判为“伤风败俗”停止放映。
& & 雷诺阿把人们对待这部作品的态度归咎于他自己的坦率。他说：“我们大家都受骗上当，被人许弄。我有幸从青年时代起就学会识破骗局。在《游戏规则》中，我把我的发现告诉观众，但他们不喜欢。因为这么一来他们就不能舒舒服服地自以为是了。”
& & 多年以后，雷诺阿在哈佛大学放映了这部作品，学生们对之抱以热烈的欢呼声。从此以后，这部片的名胜越来越响，被称世界十大著名影片之一。雷诺阿说：“在1939年被认为是侮辱人的东西现在成了先见之明。”《游戏规则》在艺术上也是一部精心之作。长镜头，大景深的充分运用，使画面的叙事功能呈现出多线索，多层次的交响合声效果。他让同一个景深镜头的前景和后景同时展开平行的动作，戏剧性的对照，在同一镜头内部形成。洗练、简劲的运镜、调度，使得此片带有客观呈现的冷静和包容，观众自己需要主动地选择自己看到的内容。喜剧、闹剧在平行交叉进行，高峰处的突转又使整篇显现出一种诗情。《游戏规则》构成雷诺阿在灵魂深处的自叙传，这似乎是他踞座在艺术高峰之上为自己晚年唱出的一首挽歌。
& & 《游戏规则》的现实遭遇使雷诺阿经受了和影片主人公同样尴尬的景遇，以至于他决定，要么不再拍电影，要么离开法国。
& & 雷诺阿于1941年流亡美国，拍摄了《吾上吾民》（1943年），《南方人》（1945年），《女仆日记》（1946年）——等作品，但盛年作品中潜藏的刀锋已被时间和美国文化蚀磨荡平。
& & 1951年雷诺阿返回欧洲，先到意大利导演舞台剧，又回法国拍摄了《法国康康舞》，故事发生的背景是巴黎的蒙玛特区。片中那位一心把粗俗奔放的民间传统康康舞带入艺术殿堂的老人，如同是雷诺阿自己的化身。影片结束了，老人苦心经营的康康舞终于在新落成的大厅里受到了观众的热烈欢迎，而老人则独自坐在空空荡荡的后台，随着节奏，轻打节拍。夕阳晚照的温暖也许正是雷诺阿自己的心境写照，导演如一个已上年岁的老哈姆莱特，年轻的激愤已化作老人的温和，宽宥和平静。
& & 1951年，雷诺阿到印度拍摄了《河流》，以甘地河为背景，表现了印度悠久的历史，自然和生活。1962年，他完成了最后一部作品《被捉住的军士》，以此为自己的导演生涯画上了一个安详的句号，雷诺阿在晚年赶上了法国的“新浪潮”，虽然他并未在其中有更先锋的作品问世，但作为先驱，他的营养滋润着年轻的一代人。特吕弗，戈达尔等人不断地在自己的作品中毫无缘由地插入雷诺阿的作品片段，以此来实现自己对于这位“一生只拍一部电影”的老者的尊敬。
& & 雷诺阿在自己的自传中谦逊地书:“我们今天之所以是我们，并不取决与我们自己，而取决于我们成长过程中周围的种种因素。使我成为今天的环境是电影，我是一个电影公民。”他在书的扉页题词中写到：谨将本书奉贤给观众称为新浪潮派的作者们。他们的思虑也是我的思虑。”
& & 日 ，雷诺阿病逝，法国政府为他举行了国葬。
十五 约翰·福特：& & 美国西部片的开拓者（）
& & 爱尔兰裔的约翰·福特是美国西部片的大师，也是一个传奇人物。在他长达50年的好莱乌生涯当中，他曾经四次获得了美国奥斯卡最佳导演奖。他喜欢在电影中表现勇武的男人们的生活，男人们的困境与责任，男人们的追求和光荣，男人们的弱点和忧伤。他的电影总是和美国广阔的大地，尤其是西部大地的气质吻合，表现了一个新大陆的勇气与梦想。
& & 一开始他在环球影业公司打杂，主要是担任布景工作，后来找到一个机会，在格里菲斯导演的影片《一个国家的诞生》中当过一次演员，再后来，开始协助他的已经改姓为福特的哥哥做助理导演，拍摄了一个西部题材的系列片，积累了一写当导演的经验。就是在哥哥执导的这个系列西部片当中，他因为一个叫“牧童落马”的镜头，而被制片厂老板看中，从此开始独}