一直在说“笔墨传承”，什么才是真正的传承？
段宁，1971年生，安徽阜阳人，现为中国书画家协会会员，书法教师。自幼酷爱书法，临池不辍三十余年，并经多位老师指导学习，方得今日之成就。 其楷书研习柳体和颜体，'...
段宁，1971年生，安徽阜阳人，现为中国书画家协会会员，书法教师。自幼酷爱书法，临池不辍三十余年，并经多位老师指导学习，方得今日之成就。 其楷书研习柳体和颜体，行草书学习王羲之和赵孟頫，后形成自己的风格，大字苍劲有力气势磅礴，小字俊秀雅致行云流水，大量作品被海内外人士收藏。并且字体被当今社会广泛使用，用于各类公益和商业用途。现在段宁拥有自己的字库，从书写字样到制作，每一个环节都是独自完成。发表的字库有：《段宁毛笔行书修订版》、《段宁硬笔行书》，这套毛笔行书字库在网络上被大量下载。
段宁 段宁认为，书法应是每一个中国人的必修课。现代人过于依赖网络，书写逐渐被电脑等智能媒体所代替。国家虽然提倡，但很多学校根本没有安排足够的书法老师，索性连书法课都不上了。而学好书法一定先要有好的老师，二是要爱好（只有爱好才可以走上书法的研习之路），三是多练习。这样基本一年左右的时间就可以掌握一个字体。这是从书法教学方面来分析如何练好书法。 其次，再从书法专业的角度分析，如何创作一幅作品有自己风格的字。段宁认为：一先打牢基础，二取众家之长，三融会贯通，四形成自己的思想，五由情而发率真的宣泄，具备这些就能有一幅好的作品出来了。
段宁书法作品 谈及当今书法现状，段宁认为：“现代社会太过于强调书法的艺术性，而忽视了它本体的文字性和实用性。” 当代书法很大程度上已经被定义在纯艺术的高度，变成公众认知里少数“艺术家”才能胜任的工作，这是一种文化上的误解和缺失。
段宁书法作品 他说，“书法作为一种文化，应该作为一种技能传承下去，应该鼓励大家拿起毛笔，练好中国汉字。”而要想在书法的道路上有所突破和成就，则需要苦练。如果能练就属于自己的独特的神韵，并能给大众带去触动和领悟，那才是真正的成功。 书法作品欣赏：
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写意花鸟画传统笔墨的传承和创新
笔墨是写意花鸟画的最基本元素，是重要的表现手段和审美表达形式，是体现写意花鸟画艺术品位、艺术价值的重要因素。所谓“夫画者，形天地万物者也，舍笔墨其何以形之哉!” “夫象物必在于形似，形似须全其骨气；骨气形似皆本于立意，而归乎用笔”，“运墨而五色具，是为得意”。　　展开写意花鸟画变化发展的历史长卷，它的形成与发展有着古老的民族文化背景，追根溯源早在史前绘画时期的彩陶纹饰上已经有所显现：新石器时代的“鱼形花纹彩陶盆”、“鹳鱼石斧彩陶罐”等许多彩陶上鱼、鸟、兽等象生纹，可以说它们是写意花鸟画的先声。此后又历经不同朝代的变迁、递变、发展，至元代“基于文人士大夫的艺术观念和审美理想，他们在创作中追求朴素自然，摒弃雕饰彩绘，强调主观感性的抒发和自娱性，由此，又变画为写，以书入画”，丰富了中国画的表现形式，为明、清以至当代在写意花鸟画笔墨上的运用和研究，开启了一片新天地。 　　明代时期写意花鸟画达到了艺术表现前所未有的巅峰，各派各家在以传统为纽带的前提下，沿着时代文化的脉络发展，造就了赋予时代精神烙印的画风。它们互相补益，互相渗透，共性里突出个性，个性中透着共性，创造出了具有中华民族精神的花鸟画艺术。徐渭可谓集前代大成，注重对笔墨的研究，把草书的笔法引入画中，使写意花鸟画的笔墨推进发展到一个新的层面，扩展了笔墨技巧并丰富了表现手法。他的写意花鸟画不拘泥于物象，“不求形似求生韵”“追求一种水墨淋漓，氤氲沁化的效果”。由于对笔墨形式的重视和对花鸟画创造性的发展，把写意花鸟画由边缘状态引入了绘画创作的主流，影响并形成清中叶以后写意花鸟画的空前繁荣。 　　吴昌硕的写意花鸟画，同样借鉴书法的运笔，汲取着传统的营养，以上古金石书法中篆籀之法运“狂草笔势” 的入画，用浑古笔意“写”出，浑厚有力的笔墨中转换出墨色的通透、灵秀，既古意盎然，又表现出时代的印迹，从而达到一种“刚而能柔，老而滋嫩，苍而含润，古而生秀”浑然天成的感觉。 　　写意花鸟画的笔墨形态历经各时代画家的提炼、加工，形成了的丰富笔墨语汇。因此，它们能在有聚有散，有虚有实的变化中使画面达到预想的意境与审美境界，创造性的产生富有魅力的视觉形态与节奏变化，塑造出画面的气氛，使写意花鸟画作品更富内涵与张力。“墨之溅笔也以灵，笔之运墨也以神。墨非蒙养不灵，笔非生活不神。能受蒙养之灵而不解生活之神，是有墨无笔也；能受生活之神而不变蒙养之灵，是有笔无墨也。”“自一以分万，自万以治一；化一而成，天下之能事毕矣。”道出了笔、墨与表现对象的相互关系。运用笔墨自身特有的审美特质，它能超越自然属性，成为内在的精神载体，从而把写照变成是心灵的静观与感悟，溢流出某种品位与格调。 　　齐白石――杰出的艺术大家，他在写意花鸟画笔墨语汇上继承了优秀传统，具有深厚的传统文化功力，笔酣墨饱，力健有锋，并通过吸收民间绘画艺术之营养，将民间艺术情趣融进文人画中，加以融会提炼，不仅扩展了文人画表现的题材，而且也注入了文人画新的艺术活力，自成一家，形成了自己特有的大俗大雅的新格调，达到了形神兼备、情景交融的境界创造出自己独特的艺术风格，是现代写意花鸟画笔墨传承与创新的实践者，也是成功者，成为被世界认同的写意花鸟画艺术大家。他主张“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”，强调在“似与不似之间”画出作品的神韵来。他的大写意花鸟画融民间意趣于笔墨之中，形成了造型简练质朴，笔墨纵横豪放，色彩鲜明热烈。以齐白石画的虾为例，灵透的墨色表现出虾的结构变化，浓淡虚实、疏密层次、参差聚散虚灵自然，静中之动，动而静定的美，表现的淡雅清新，生动可人，给人以明朗、清新、简练、生气勃勃之感，精心而看似随意的笔墨，虚实浓淡，妙在形意之间，仿佛不是在纸上描绘，而是在可见可触的水中往来去回，自在悠然，赋予自然中的虾具有永恒的艺术生命，真正表现出“笔墨取于物，发于心，为物之象，心之迹”的境界。 　　写意花鸟画十分讲究神韵、意境，所要表达的神韵、意境关键所在也是笔墨问题，这既是美学问题，也是技巧问题。“技进乎道”是历代文人从事艺术的本体认识，即：经技进入艺，从艺升为道的层面，从而完成从自觉文化到文化的自觉的历史进程。邹一桂曾云：“活者，生动也；用意、用笔、用色一一生动。”笔墨技巧是个硬功夫，画面神韵、意境的营造，是在笔墨的运筹中产生的，笔墨是写意花鸟画塑造形象传情达意的语言，是表现形态和手段，因为有率意、有深度、有表现力的笔墨能把高度的修养注入在笔墨形式之中，达到了一种自然流露的境界。而笔墨不仅能刺激视觉，而且能打动整个心灵，把人们凭资禀和修养本来就有的文化底蕴，以及美与和谐的意象都调动起来使笔墨的表现达到：“笔外笔，墨外墨，意外意”的效果。没有笔墨基础这个强有力的表现语言，画面所要表达的意图是很难实现的，只有做到“意到笔随，神遇而迹化，方可达到技巧与艺术的高度统一”，才能写出意气，写出意象，写出意境。这样说来笔墨好像是写意花鸟画的一个“命脉”了，其实就是如此，历朝历代有成就的画家无不具备这样的基本技能，画面中笔墨所营造出的“和谐的乐调不仅对于人是一种很自然的工具，能说服人，使人愉快，而且还有一种惊人的力量，能表达强烈的情感。”写意花鸟画在的文化品位和笔墨表现是相互依存的，笔墨的变化虽简约，却能体现出无穷的艺术韵味。就真正的意义来说，恰当的精到的笔墨就是品位、意境、神韵的最好诠释。 　　写意花鸟画除笔墨与文化的积淀外，更重要的还有蕴含在传统中永不衰竭的创新之文化精神，而创新文化精神在艺术发展的历史长河中一直是一种必须的驱动力，也是写意花鸟画发展到现今仍具活力的真谛所在，死守着传统、恪守传统、不思不变，艺术的发展难免中断，失去活力。我们从八大山人、任伯年、吴昌硕、齐白石、潘天寿这些大家看到：在学识、艺术修养、深厚的功力之外，更为重要的是他们探求到了立意创新的艺术精神，再加上孜孜不倦的追求，才开创了他们自成一格的画风，这些对我们都是有益、有价值的启示，同时也为写意花鸟画继往开来的发展坚定了信念与信心：写意花鸟画的发展就要“古为今用”，“用最大的功夫打进去”，把历史积淀形成的笔墨语汇传承下去，同时又要“用最大的功夫打出来”，广泛吸收中外各种艺术门类的艺术语汇，传承与创新是民族艺术发展的必然趋势，“不继承就失掉民族特色，不发展就没有时代精神”。 　　30年来，由于国家的改革开放，人们的艺术视野大大拓展，促进了当代中国美术事业的发展与繁荣，中国写意花鸟画领域的风格形式不断变化，越来越多，显示了积极探索的精神。“笔墨当随时代”既是对中国画发展的总结语言，也是开创写意花鸟画发展的精粹和核心，但是“笔墨当随时代”不是完全抛开传统的“随时代”，而是要在继承传统的基础上，顺应社会发展变革的形式，变化创新出新的时代笔墨语言。写意花鸟画的创新，要有很深厚的学养和文化底蕴，高于他人的想法及很好的发展创新切入点。中国讲究书画同源。如果说吴昌硕当时只是在任伯年等画家的传统写意花鸟画的笔墨里摹练发展则难以驰骋，而把他的金石书法引入运笔中，则使画面气象大变，别开生面，获得前所未有的雄放深厚之美。 　　写意花鸟画的传承与创新，我们辨证看待的话，思路就会非常清晰，所谓的传统，也是往日的创新，今天的创新也总将成为历史，成为传统。创新不能抹煞传统、否定传统、不借鉴传统，不然就是无源之水，无本之木。 　　
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　　这是他对自身以及当代书坛的思索，更是对自己军旅艺术生活的提炼。在与他的交流与交往中，明显能感受到作为军人的豪情与作为艺术家的浪漫，二者的身份交相呼应，使他在艺术的视界里更能觅得真境界，觅得风格与内容统一的奥妙。
　　三、传承与创新
　　关于中国书法的文化含量问题，我一直在思考，原因是我看到有的技术迷恋者仅仅得意于笔墨的形式、姿态的把玩，而其书法精神价值却有些匮乏，或者文化意味稀薄，扭曲了书法艺术的审美取向。
　　曙光认为书法是空间艺术，要在有限的空间体现时间的节奏，在静中求飞，谋篇布局，方能游刃有余。
　　曙光在书法上目前所取得的成绩，归根结底在于他持之以恒的学习、研究，更归功于他儿时的梦想，锲而不舍。儿时的和炭泥练字，使得他对生活有着刻骨的记忆，懂得了珍惜，懂得了人生的梦想归于何方。对他而言，军装与书法，是自己内心的明灯，在这盏明灯指引的梦想之路上，他历经风雨，没有虚度年华。将所有的休息时间用在工作和书法之上，系统、正规、严格的研习了魏碑、汉隶、二王、颜柳欧赵等碑帖。使之在翰墨的世界，汲取众家之长，融汇在自己的创作实践中，久而久之，逐渐形成了现阶段的风格。
　　人们将他的风格赞之曰“创新”。他认为，创新不是标新立异，而是当代文化复兴的必然趋势，是一种历史的必然，这种必然关系是在市场环境和文化发展背景下的内在逻辑，是对人类优秀文化艺术成果的继承，又是继承下的突破，在突破之后的发展。书法艺术的创新需要将古今名贴名碑熟记于心、融会贯通，需要实践、时间之功效，还需要有顿悟超越的提升。
　　观“宁静致远”这幅书法作品，其笔力与风格已略有不同，前者圆融，后者枯涩，行中带隶，结字圆正，雾敛而犹舒，云断而相续。实则是一张一弛，构成有张力的两幅风格创新的空间作品。
　　再看“上善若水”几字，笔锋遒劲，欲说还羞充满着音乐的节奏，有势通万里之效。
　　四、 谦让与自信
　　中国古典艺术中书法、山水、人物、花鸟到园林建筑、音乐等都把“天人合一”、“物我两忘”作为最高的审美追求。中国的书画与西洋画有着诸多不同之处，与其说是表现形式不同，不如说是作为创作主体的艺术家思维空间不同。这体现在我们国人的谦让与忍耐，自信与厚德的道德范畴，凝聚着千百年来那份“修平治世”的执着和追求。
　　杨曙光曾经这样说过：“任何一门艺术在不同的历史时期都会呈现出各自不同的审美取向及表现特征，书法也不列外。作为一个书家，既不能妄自菲薄，蔑视古典，也不必厚古薄今，固步自封。对新的技巧手法和当代审美追求的探索研究，都要反映出我们对这个时代美的艺术形式及审美意象的提炼和拓展。”
　　我相信这是他在艺术上坚持的方向，这种坚持是一种谦让，更是一种自信。凝聚着他对当代中国艺术的思考与关注。
　　从《琴心剑胆》这四个大字上，隐约体现者曙光的用心之思以及审美理想，它是作者内心的写照，它永恒的屹立在那里、拥有一份不变的高度。“于无声处听惊雷”――这是曙光书法的自信与力量。
　　与曙光相识交往的这段时间里，处处感觉到他把浮躁屏蔽在艺术之门的外围，静心创作，潜心研究，致力于书法的世界里，为国效力，展现为学谦虚，为事谦让，为艺自信的精神力量，这种品质着实是当代书坛亟需的正能量。（文/杨茂银）
著名书法家杨曙光近影
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编辑：海量
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